¿Qué sabes del himno español?

España

Hace 37 minutos | Soraya Alonso

Ni Fernando de Prusia, ni un andalusí. Todo apunta a que nuestro himno fue compuesto por un español hace más de 200 años.

Cuando sonó el himno español, muchos aficionados cantaron la 'letra', el ya célebre lo.lo.lo. Otros recurrieron al también clásico gesto de ponerse la mano sobre el corazón. / Foto: Enrique Infante.

Isabel II caminaba hacia el altar mientras sonaba de fondo la Marcha Real. Era el 10 de octubre de 1846 y los periódicos madrileños de la época documentaban el acontecimiento.

Algunos se han empeñado en adjudicarle a la boda entre Isabel II y su primo Francisco de Asís María de Borbón el debut de la Granadera, como se conocía informalmente en la época el Himno Nacional. Pero otros historiadores niegan esta posibilidad y aportan como prueba el testigo de Mesonero Romanos que contaba en su obra, Memorias de un setentón, como ya por 1820 sonaba la Marcha Real.

Estas desavenencias en la fecha de su nacimiento, no son las únicas dudas que tenemos respecto al himno. ¿Sabemos quién lo compuso?

La versión más extendida en referencia a nuestro himno se hace eco de un supuesto regalo que Fernando de Prusia hizo a España. Pero esta anécdota se revela, cada vez más como un bulo que como un dato histórico fiable.

También están los que creen que hay motivos suficientes para pensar que nuestro himno tiene sus orígenes en el reino Andalusí y, más concretamente, que fue creado por el filósofo y músico Obn Báyya, allá por el siglo XI.

Pero otros autores, como Ricardo Fernández de la Torre, aseguran que el verdadero y único compositor del Himno Nacional de España se llama Manuel Espinosa como muestran algunos archivos guardados en la Sección de Música de la Biblioteca Nacional de España. El autor dijo que  los documentos “están ahí para quién desee consultarlos”.

Siempre cabe la posibilidad de que el propio Espinosa se atribuyese el mérito, pero mientras no aparezcan otras pruebas, parece la opción más fiable ya que estos documentos datan de 1761, por lo que sería la primera referencia en la historia del himno que se ha encontrado hasta el momento.

Otra curiosidad respecto al himno es la cantidad de intentos para ponerle letra que se han sucedido a lo largo de la historia.

La primera de la que tenemos constancia fue creada en 1843 por Ventura de la Vega, a esta le siguieron las letras de Eduardo Marquina, la carlista, la de José M. Pemán y la de los escritores Juaristi, Alberto de Cuenca, A. Linares y Ramiro Fonte.

El último intento tuvo lugar en 2008 cuando el Comité Olímpico Español sugirió que era necesario una letra que acompañase al himno durante la entrega de trofeos. Pero Paulino Cubero y sus “verdes valles” no fueron bien acogidos por los ciudadanos y, la propuesta fue finalmente rechazada.

Una composición que no tiene autor reconocido, que no tiene letra y que no sabemos a ciencia cierta cuando nació. Ese es nuestro himno y el que esperamos que siga sonando en Londres 2012.
Fuente: lainformacion.com

Chavela Vargas, adiós en España, el país donde 'empeñó' su alma

El pasado mes de julio regresó después de siete años

Chavela Vargas, en la residencia de estudiantes de Madrid con Pedro Almodóvar.

• Aquí 'resucitó', se enamoró y volvió para pedir que no la olvidaran

• Recorrió todo el país y fascinó a anónimos y famosos, mayores y jóvenes

Concha Barrigós (Efe) | Madrid

Actualizado domingo 05/08/2012 22:08 horas

Federico García-Lorca, Pedro Almodóvar, pero, sobre todo, el público de España, han sido para Chavela Vargas razón y fundamento de su existir los últimos 20 años porque aquí, "en la hembra de Europa", resucitó, se enamoró, dejó en prenda su alma y volvió "a la última hora" para pedir que no la olviden nunca.

La dama de poncho rojo, pelo de plata y carne morena, como la describe su "retecuatachón" (superamigote) Joaquín Sabina en la canción "Boulevard de los sueños rotos", no viajaba a España desde hace siete años y se obstinó en regresar porque aquí, según decía en el que fue su último concierto, el 10 de julio en Madrid, había dejado "empeñada" su alma y debía volver a recuperarla.

La cantante, de hablar trabajoso y en silla de ruedas desde que una mañana no le respondieron las piernas, tomó la decisión de meterse "entre pecho y espalda" 13 horas de avión para viajar desde su casa mexicana a "su" casa española, la Residencia de Estudiantes, y homenajear en ella a Federico García Lorca con un concierto y la grabación de un documental.

El jardín de la Residencia se llenó aquella noche de "afortunados", como el propio Almodóvar, que pudieron escuchar a Vargas sola y acompañada por sus "escuderos", Miguel Poveda y Martirio, y disfrutar con un concierto "raro y único" lleno de amor a España y devoción por el poeta granadino.

Con el poeta, decía en su última comparecencia ante los medios, tuvo "un acercamiento" cuando se alojó por primera vez en la Residencia, en 1992.

"Una noche de nostalgia pude recordar lo que no había perdido. No encontré a Federico, fue él el que, como un clavel que revienta, me encontró. A sus órdenes, le dije", relataba en presencia de Laura García Lorca, una de sus mejores amigas.

Después de siete años ausente sostenía que España estaba "bellísima": "No hay crisis, es mentira. Es la hembra de Europa y México el varón de América. Te saludo España, te saludo Isabel la Católica -el Gobierno le concedió su Lazo-, con toda mi alma".

Pero la historia de amor de España con esta "yegua potrera", a la que la vida se le fue "de resbalón en resbalón, de tequilón en tequilón", comenzó de la misma forma "rara" en la que transcurrió su vida.

Se "la pasó" de parranda con sus "cuates" entre los 30 y los 50 años y cuando su "hermano" el compositor José Alfredo murió (1973) decidió hundirse en un infierno de soledad y alcohol del que no salió hasta que no le quedó "nada ni nadie".

Volvió a "su ser", es decir, a cantar, en 1991, en el bar del barrio defeño de Coyoacán "El Hábito", y allí la "descubrió" un "güerito", que no hacía más que pedirle "Las ciudades", de José Alfredo.

Era Manuel Arroyo, el fundador de la editorial Turner, que la convenció de que más allá de aquel bar y de México había vida.

"Si los milagros existen, éste es uno de ellos. Hay cantantes que se retiran uno o dos años y cuando vuelven ya no pueden hacer nada. Yo me retiré durante más de quince, volví y se me abrieron las puertas. ÑCon 72 años!", relata en sus "memorias" ("Dos vidas necesito. Las verdades de Chavela").

Un público entregado

La última vez que había estado antes de eso en España, fue en 1972 cuando actuó en "Estudio Abierto", de José María Íñigo, y cantó dos veces seguidas "La llorona".

"Estaba completamente borracha. Fue un milagro que no me sacaran a patadas del estudio", pero "el verdadero milagro", subraya, sucedió veinte años después, en la Sala Caracol de Madrid, abarrotada de público deseando verla, sin reclamos ni exigencias.

Dos semanas después, el Teatro Lope de Vega de Sevilla anunció un concierto de la cantante y las localidades se agotaron el mismo día de salir a la venta. En su escenario, recordaba, sintió que la vida le daba "un beso en la frente".

Fue su primera presentación en un teatro de conciertos, la primera vez que iba a tener un público que no iba a "tomar", ni a fumar ni a nada que no fuera a escucharla a ella.

De ahí en adelante en España llenó siempre, de la Plaza del Rey en Barcelona al Teatro Albéniz en Madrid, que la incluyó durante varios años en su programa "Madrid encanto".

Recorrió todo el país y fascinó a anónimos y famosos, mayores y jóvenes, que la habían conocido a través de los LP que sus padres escuchaban durante el franquismo, cuando Chavela estaba prohibida.

Pedro Almodóvar, su 'único amor en la tierra'

"Nos enamoramos. España y yo nos enamoramos. No lo pudimos evitar, fue extraño, como un maridaje. España me dio un público muy especial y generoso y muchos amigos, sobre todo Pedro", relata.

Ese Pedro es Almodóvar, su "único amor en la tierra", "la sola persona" que la sabía amar, al que conoció en su concierto de la sala Caracol sin que ella tuviera idea de quién era él. "Somos como una continuación del otro en pensamiento, en amor a las personas y a las cosas", decía ella.

Almodóvar, uno de los pocos que pudo visitarla en su convalecencia en Madrid, ya ha dicho que quiere que en los registros de las filmotecas se mencione primero su "cargo" de presentador oficial de Chavela Vargas y que después digan que es director de cine.

En España conoció a muchos amigos que lo serían para siempre, como Sabina, Ana Belén y Víctor Manuel, Miguel Bosé, Martirio, Isabel Preysler -que la invitaba a cenar en los restaurantes "más elegantes" de Madrid-, Sara Baras, con la que hablaba mucho de la vida y del arte, y Ana Botella, que la visitaba, "a escondidas de todos", en la Residencia.

Cuando el día 10 de julio, después del concierto que dos días acabó con ella en el hospital por un "cansancio brutal", se despidió de su público español le pidió que no la dejara "nunca". "Hasta luego; nos veremos próximamente", prometió.
Fuente: EL MUNDO.es

Última hora: Muere Chavela Vargas

5 Agosto, 2012 - 13:13

Credito:Redacción / El Economista

 

Foto EE: Archivo

La cantante Chavela Vargas falleció este domingo a los 93 años de edad, reportó Foro TV. 

De acuerdo con el informe, “la chamana” falleció alrededor de la una de la tarde. 

La artista había regresado la semana pasada de un viaje a España, donde presentó su disco "La Luna Grande", dedicado al poeta español Federico García Lorca. En Madrid debió ser hospitalizada para ser sometida a exámenes.

Desde el 31 de julio, Vargas fue ingresada a terapia intensiva de un hospital en Cuernavaca, debido a una bronconeumonía.

Con información de Foro TV y agencias.

Sevilla: Barenboim, una batuta para la paz. Beethoven, razón y sentimiento

Pablo J. Vayón | Actualizado 19.07.2012 - 11:58

 

El maestro, que fue muy ovacionado a su llegada, dirigiendo a los jóvenes intérpretes del West-Eastern Diwan.

Orquesta West-Eastern Divan. Gira 2012. Director: Daniel Barenboim. Programa: Sinfonías nº1 en do mayor Op.21, nº2 en re mayor Op.38 y nº8 en fa mayor Op.93 de Ludwig van Beethoven. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Miércoles 18 de julio. Aforo: Lleno.

Clásico por nacimiento y formación, Beethoven revoluciona el curso de la historia merced a una concepción del papel del artista que revierte la servil tendencia milenaria. Sin ser un romántico, su música, que a partir de la 3ª Sinfonía (1804) se hace afirmativa, épica, heroica, termina por dar el salto definitivo que admirarían en adelante la inmensa mayoría de los músicos del siglo XIX.

Estas dos realidades, la clásica y la romántica, estuvieron pues siempre muy presentes en la interpretación de sus obras. El del Romanticismo es un mundo preferentemente alemán y fue la tradición de los grandes maestros centroeuropeos la que enfatizó muy especialmente el flanco dionisíaco de la música beethoveniana, debilitando lo que hay en ella de herencia del Clasicismo. En las últimas décadas, otras tradiciones interpretativas, vinculadas especialmente, aunque no solo, al movimiento historicista, han tratado de reponer ese desequilibrio, propiciando corrientes interpretativas de síntesis.

Ni Barenboim, por formación y carácter vinculado a la gran tradición alemana, puede eludir esa realidad, y menos al frente de una orquesta como la WEDO (West-Eastern Divan Orchestra en sus siglas inglesas), un conjunto de jóvenes, muy acostumbrados ya a trabajar en estilos interpretativos diferentes, lejanos los días en que los criterios de los viejos maestros alemanes dominaban las escenas sin apenas contestación.

Las dos primeras sinfonías de Beethoven son obras en esencia clásicas, y para acercarse a ellas Barenboim redujo considerablemente el tamaño de la orquesta. Aunque la cuerda (40 atriles) sigue siendo algo masiva para que el equilibrio con las maderas resulte cercano al ideal clásico, el maestro maneja bien los volúmenes y las dinámicas, consiguiendo versiones suficientemente claras, en especial en los tiempos lentos, en los que el tejido contrapuntístico se llena absolutamente de detalles. La contención del vibrato fue muy evidente en una 1ª de fraseo en general delicado, tierno y elegante, con un Minueto algo denso y un final de articulación ligera, más liviano que el que se le oyó el año pasado. La introducción lenta de la 2ª Sinfonía sonó ya de forma diferente, con una tensión mucho más acuciante, ataques más incisivos y una grandiosidad que parece querer anunciar el mundo de la Heroica. Barenboim empleó en cualquier caso tempi tirando a rápidos y desmenuzó el Larghetto atendiendo más a la belleza de las mezclas tímbricas que a su sentido expresivo: fue un movimiento incluso algo deslavazado, pero con una variedad de matices, especialmente en las gamas dinámicas centrales, apabullante. En el Finale, el maestro de Buenos Aires estuvo especialmente generoso con el rubato, consiguiendo una elegante flexibilidad.

Cambio de paradigma para la Octava, una obra de madurez, pero que parece mirar al pasado. Barenboim emplea en cualquier caso una cuerda con 60 atriles, lo que le lleva a doblar las maderas. La obra estuvo dominada desde el mismo arranque por un impulso enérgico y brioso, aun sin olvidar que dentro de ella hay mucho de ironía: Barenboim subrayó así el carácter scherzante del Allegretto con una articulación jadeante y acentuó la coda del Finale con una furia que sonó a paródica. La WEDO es una de las mejores orquesta juveniles del mundo, y respondió con brillo al desafío.
Fuente: diariodesevilla.es

Bruce Springsteen: "En España lo tenéis duro, estáis en una auténtica depresión"

12/05/2012 23:07

Bruce Springsteen, que este domingo celebra en Sevilla el primer concierto de la gira 'Wrecking Ball World Tour' en Europa, ha asegurado que España tiene una situación difícil pero ha defendido que "la austeridad no es necesariamente la mejor forma de salir de la crisis".

Ensalza la labor de los 'indignados' de Ocuppy Wall Street coincidiendo con el aniversario del 15M español

Bruce Springsteen, que este domingo celebra en Sevilla el primer concierto de la gira 'Wrecking Ball World Tour' en Europa, ha asegurado que España tiene una situación difícil pero ha defendido que "la austeridad no es necesariamente la mejor forma de salir de la crisis".

"En España lo tenéis duro, nosotros (Estados Unidos) estamos en recesión, pero vosotros en una auténtica depresión", ha asegurado 'El Boss' durante un encuentro con periodistas en el Estado Olímpico de La Cartuja (Sevilla) después de ensayar con su banda el concierto que será la carta de presentación de su nuevo álbum en Europa.

El cantante de New Jersey ha defendido que, en este momento de recesión económica, "hay que estimular", "no sólo en crisis", ha bromeado, mostrándose crítico con las políticas desarrolladas en los últimos años en Estados Unidos, con origen en Wall Street, en las que considera que ha habido una "gran falta de responsabilidad".

Precisamente ha sido la crisis la que, según ha señalado, ha inspirado parte de las canciones de su último álbum. "Lo que mi música estaba cuestionando era qué sentido tenía todo lo que estaba pasando", en un contexto en el que "la gente estaba perdiendo sus hogares y sus trabajos y no había una respuesta real ni ninguna responsabilidad", ha manifestado.

En este sentido, ha ensalzado la "gran labor social" realizada por el movimiento 'Occupy Wall Street', similar al movimiento 15M que este mismo sábado celebra su primer aniversario en las principales ciudades de España.

"El movimiento ha jugado un rol político y ha logrado lo que no muchos han conseguido antes, mover el tema de conversación de un país entero a preguntarse qué había ocurrido y por qué la separación de riquezas se ha ido haciendo más y más grande en los últimos tres años", ha indicado, mostrando su esperanza en que la población "aprenda" de las circunstancias que se están viviendo actualmente y se tomen medidas para que "no vuelva a ocurrir".

"Quiero sudar como un perro mañana"

Con respecto a la elección de Sevilla como ciudad para iniciar su gira europea, 'The Boss' ha recordado que ya estuvo en 2009 en la ciudad y se llevó una "grata impresión" de los 'fans' que le acompañaron en dicho concierto, celebrado en el mismo recinto en el que lo hará este domingo, a la par que ha reconocido que "adora" el clima. "Hace mucho calor, quiero sudar como un perro mañana", ha afirmado entre risas.

Asimismo, ha apuntado que lo más probable que haga a lo largo del domingo en su tiempo libre será "descansar mucho", para "dar lo mejor" de sí mismo en el concierto, en el que espera estar "fabuloso".

Si se toma de guía lo escuchado este sábado en el ensayo, en el concierto de este domingo sonarán, además de temas de su último álbum como single 'We take care of our own', 'Death in my home town', 'Rocky Ground' o 'Shackled and Down'; clásicos como 'Waiting on a sunny day' o 'Thunder road', así como 'I'm going down' o 'The Promise'.
Fuente: lainformacion.com

Marlango: "El silencio es nuestro cuarto componente"

Música

16/04/2012 06:00 | Ylenia Álvarez

'Un día extraordinario' es el nuevo trabajo de Marlango, la banda liderada por Leonor Watling, y que mañana 17 de abril sale por fin a la luz. Es su primer disco en castellano y supone una mezla extraña entre lo clásico y lo contemporáneo, se mueve entre los juegos de palabras, melodías de piano y de trompeta apagada y una variedad de estilos que 'casa' de forma misteriosa.

Algo debe tener Buenos Aires, algo que embriaga y que inspira, y que en buena compañía hace llenar los sentidos y fluir las ideas porque en una noche bonaerense, en una cena en casa de Fito Páez, entre conversaciones, música y risas, nació la esencia de Un día extraordinario, el último disco que Marlango, que Leonor Watling, Alejandro Pelayo (piano) y Óscar Ybarra (trompeta) sacan a la luz mañana. Aquí se cierra el círculo.

Para Alejandro Pelayo con este trabajo "lo que queríamos es plantear un punto de partida y un recorrido, un transitar a través de las canciones por un caminito que te cuenta una historia a través de diez elementos. De hecho, el gran objetivo es hacer un disco de esos en el sentido de 'Long Play', que partimos de aquí y vamos a llegar aquí, y por eso, colocar las canciones, al final, es un esfuerzo".

Diez historias

Dame la razón, Bocas prestadas, Ir, Si yo fuera otra, Exquisita, Lo que sueñas vuela, Un día sin ti, Gira, Todo es tan importante y Bailando sin querer llegar son los diez temas incluidos en el quinto álbum de Marlango. Adiós al los medios blues y al inglés susurrante. Ese Buenos Aires de encanto trajo el español, las habaneras, los tanguillos, las nanas, y también las letras cuidadas hasta el extremo, potentes, poéticas y sensibles hasta el desgarro.

"Ser la sed que no termina / lo que esconde en cada esquina / el rubor de tu mejilla / la que espera en la otra orilla / ser la dueña de esa sed / ser la espada y la pared / y ser todas las mujeres metidas en mi piel", así reza Si yo fuera otra (dedicada a Pedro Almodóvar, por cierto), que está escrita para no dejar a nadie indiferente.

"Es un mensaje muy de actitudes, muy casi de bata de cola porque la frase esa de "quiero ser todas las mujeres que has querido y que has amado, todas metidas en una sola piel", no lo puedes cantar de cualquier manera", afirma el pianista Alejandro Pelayo.

"Eso sí, desde el punto de vista masculino es la 'champions league'", añade. "Quieres tener a la madre de tus hijos, a la amiga, a tu madre, a la mujer sexy..." Leonor Watling confiesa que es la que más fácil le salió y que cuando empezó a cantar el estribillo: "ay, ay, ay...", miró a Alejandro pensando que se iba a reír. Sin embargo, "me dijo: "Si lo haces, que es muy bonito, hazlo en serio, si vas por ahí lo respeto, pero hazlo de verdad porque el peligro de esta canción es hacerla como una parodia"".

El talento poético de Leonor Watling

Cada una de las frases del disco como "Dame puertas abiertas / camas deshechas / pasos perdidos / silencio en la piel / dame puertas abiertas / camas deshechas / quítame el sentido / dame la razón" que aparecen en el primer single Dame la razón o "Vamos dando pasos / sobre calles pisadas / vamos dando besos / sobre bocas prestadas / paso a paso te he buscado / beso a beso te he encontrado" del tema Bocas prestadas son obra y gracia de Leonor Watling.

"Coleccionamos mucho por separado", dice Alejandro", "aunque las letras es un terreno de Leonor porque entendemos que si lo vas a tener que cantar y defender tú es necesario que sepas de lo que estás hablando".

Leonor tiene un cuaderno, en verdad cientos de cuadernos donde a veces escribe, según Alejandro: "'churrillos' separados como posibles estrofas o estribillos en inglés, en castellano...", aunque en este caso "fuimos buscando más las melodías para que yo luego le metiera las letras", dice Leonor, "porque en inglés lo que tires cae bien, si tiras diez palabras, encajan".

Aunque "lo que más me gustaría de una canción es que te sirva para lo que tú necesitas y que esa canción si te apetezca cantarla de verdad, que te sirva, y que si estás en un momento de tontería, te sirva también", cuenta la actriz y cantante.

El sonido Marlango

Una voz cálida, un piano y una trompeta que está pero no está. Detrás de ellos, un pequeño abanico de instrumentos (bajo, guitarra, percusión, banjo, trompa...) les acompañan, pero casi no se sienten. Ese es el sonido Marlango.

Para ellos, lo que definen con piano y voz "tiene que ser lo mismo con ocho: a la misma velocidad, con el mismo peso, con el mismo respeto por los silencios, los mismos espacios, y en el momento en que alguien tenga la tentación de querer enseñar lo bien que toca, que se aguante y ya lo haremos en directo cuando haya una gran celebración de esa canción", afirma Alejandro.

"Ahora de momento vamos a mimar estos temas, que tienen el gran mérito de Xuso Sáenz, que nos ha quitado vueltas, nos ha quitado compases de tránsito innecesarios... Todo en ellas es como limpio, pequeñito y se ve la esencia de la música. No puedo ser más fan", añade. Luego, incorpora un pequeño gran detalle: "Marlango somos cuatro, nosotros tres y el silencio, siempre lo digo porque es un elemento fundamental en la música y en todas nuestras canciones".

El trío reconoce que su tendencia es alargar, seguir ahí envueltos en esos pasajes, en esos compases, deleitarse con esos mismos. "Cuando encuentras algo que te gusta quieres quedarte ahí toda la vida", afirma Leonor. Quizás por eso ella parece ensimismada cuando canta, contenida y sentida, suya, pero de todos.

"Soy lo menos teatral que hay cantando en un escenario", afirma. "Creo que a lo mejor Chavela Vargas se mueve menos que yo", añade divertida.

Un cántabro, un neoyorquino y una medio inglesa

Un día extraordinario es una mezla extraña entre lo clásico y contemporáneo, reivindica el sonido del piano y reúne una contraposición de estilos con un hilo común. "Tenemos una forma de entender el 'pop' un poco ajena precisamente al 'pop', pero más o menos con sus estructuras", comentan.

"Nos movemos en el margen que tenemos tocando juntos uno de Cantabria, otro de Nueva York con otra medio inglesa haciendo una habanera. Hay una cierta flexibilidad en nuestra música a la que aportamos siempre elementos ajenos a lo que estamos haciendo por defecto".

Sea como sea, casi todo se vuelve un pequeño atrevimiento que se cuela sin que te des cuenta, por la puerta de atrás, como suele decirse. Las sensaciones, las melodías que fluyen y se encuentran con esas letras cosidas y trabajadas, ese juego de palabras, de ritmos y de descubrimiento constante, calan hasta los huesos y te dejan con una sonrisa tonta de Un día extraordinario. 
Fuente: lainformacion.com

Muere el cantante José Guardiola

Música

Fue muy populamr en los 60 con canciones como «Los niños del Pireo» y «Di papá», que cantaba con su hija Rosa Mary

M.DE LA FUENTEmanolhito / MADRID
Día 09/04/2012 - 20.19h

ABC

José Guardiola, en los primeros 60

José Guardiola viene a nuestra memoria unido a los primerísimos recuerdos de la infancia, cuando asomaba su cara amable la década de los 60. Guardiola ha muerto este lunes en la Ciudad Condal a los 82 años de edad.

Era una voz dulce, suave, reposada, aunque entre sus primeros éxitos figurase un clásico del folk norteamericano, una pieza bastante ruda como «Sixteen tons», canción que en 1967 fue un éxito mundial en la demoledora voz del minero galés Tom Jones. No en vano, la pieza, original de Merle Travis narraba la dura vida de un minero de Kentucky.

ABC
Portada de uno de los 
primeros discos de José 
Guardiola, con su hija Rosa 
Mary

Barcelonés de pura cepa, Guardiola también fue autor del primer himno del equipo de fútbol del Español. Otros éxitos del cantante fueron «Venecia sin ti», de Charles Aznavour, y «Los niños del Pireo», de la cantante griega Nana Mouskuri, tema principal de la película «Nunca en domingo» de 1960 dirigida por Jules Dassin. En el filme era Melina Mercouri la encargada de cantarla. 

A José Guardiola le venían como anillo al dedo estos suaves y dulzones aires mediterráneos. No obstante, las dos canciones más populares del artista catalán fueron «Di papá» y «La balada del vagabundo», que a menudo interpretaba con su propia hija, Rosa Mary.

Fuente: ABC.es

Lanzan un álbum póstumo de Antonio Vega con su última gira

Antonio Vega, en una foto promocional de 2008. (Jerónimo Álvarez)

• El disco recoge los temas que Antonio Vega interpretó en Gira Teatros 2009.

• Incluye sus grandes éxitos, así como temas más "escondidos y recónditos" como el que da el título al disco: 'Antes de haber nacido'.

• Listas de los usuarios: ¿Cuál es la mejor canción de Vega?

• 20MINUTOS.ES. 03.04.2012 - 12.06h

Desde su desaparición, el 12 de mayo de 2009, se han sucedido las versiones y homenajes a Antonio Vega, admirado cofundador del grupo Nacha Pop, cantautor y responsable de un universo frágil e íntimo que dejó canciones eternas como El sitio de mi recreo, La chica de ayer o Lucha de gigantes, entre otras muchas.

Ahora, tres años después, la discográfica BMG ha anunciado el próximo lanzamiento de Antes de haber nacido, un trabajo que el sello anuncia como "el último disco de Antonio Vega".

El disco coincide con el tercer aniversario de la muerte de Antonio Vega 

El CD, que verá la luz el 8 de mayo, recoge su última gira, Teatros 2009, la cual fue montada con la intención de grabar un álbum en directo y que recopila los grandes éxitos del artista y algunas sorpresas. Así, mientras los temas clásicos del autor adoptan nuevos enfoques, se recuperan canciones casi olvidadas de su repertorio como Vapor, No me iré mañana, Agua de río o Cada uno su razón.

El título de la grabación obedece al de un tema con ese nombre, una composición esquiva y escondida en recónditos "discos duros", explica el sello.

"Para Antonio este proyecto era importantísimo, tenía un deseo enorme de que su público lo escuchase y compartirlo con todos, estaba seguro cien por cien de lo que había preparado", asegura su compañía, apelando a las emociones de los fans incondicionales del músico y tratando las sombras que impregnaron sus últimas actuaciones, algunas en las que eran evidentes sus problemas de salud.

El lanzamiento incluye una edición especial limitada y numerada en formato disco-libro. Constará de dos Cd con 19 canciones en directo, incluyendo la inédita Antes de haber nacido, así como un DVD con seis de las actuaciones en el TEatro Victoria Eugenia de San sebastián, el nuevo videoclip Vapor y un mini documental de 19 minutos con declaraciones de Carlos Vegas y de los cinco músicos que acompañaron a Antonio en su Gira Teatros.

La Isla del Lector: Las tardes de Saramago dirigiendo la música de Beethoven

Literatura

Hoy, 10:15 h. | Ylenia Álvarez

Cerrad los ojos e imaginad a José Saramago en un estudio (su estudio) escuchando la Primera Sinfonía de Beethoven y moviendo sus manos como si la dirigiese. ¿Podéis? La salita en la que se encuentra la preside una máscara con las facciones del compositor, es media tarde y sólo se ha tomado un momento entre capítulo y capítulo de la novela que está escribiendo para deleitarse con la música. Parece una invención, un cuento chino, pero una tarde o muchas tardes, ocurrió algo muy parecido. La prueba está en 'Claraboya', la obra rescatada del autor que acaba de publicar Alfaguara.

Alfaguara ha presntado este jueves 'Claraboya' la obra perdida de José Saramago (Azinhaga, 1922-Tías, Lanzarote, 2010). El Nobel escribió esta obra hace más de sesenta años y entregó el manuscrito a una editorial portuguesa en 1953.

Dos épocas distintas, dos formas diferentes de expresarse tanto en forma como en contenido, pero un hilo común: el arte y la admiración de uno hacia el otro, la del joven, la del que crece hacia el ya hecho mito, ya hecho leyenda, genio. Uno es el escritor José Saramago y el otro Ludwing van Beethoven.

Si hiciésemos un análisis de la obra y la personalidad de cada uno de ellos probablemente resultarían ser casi antagónicos: uno envuelto por la saudade lisboeta, por la dictadura, por un país triste en un época gris y el otro lleno de fuerza, de cambio, de sombras y pasión en un país centroeuropeo alejado del mar y de las olas. Sin embargo, ambos son de origen humilde y compartieron un amor inmenso por los matices pequeños.

Pilar Del Río, la traductora y viuda de José Saramago, ha sido la última en rescatar esta ferviente predilección del escritor por Beethoven. En la presentación de Claraboya, 'la obra perdida y encontrada en el tiempo' como ha pasado a denominarse, Del Río confesaba que la novela está "atravesada" por completo por Beethoven.

"Es una novela donde aparece la música. Beethoven atraviesa todas las páginas del libro, en ella aparece una máscara de Beethoven que Saramago debió de haber visto y que no pudo comprar porque no tenía dinero y lo pone en boca de un personaje. Eso lo vio cuando tenía 22 o 23 años y al final cuando tenía setenta y tantos pudo finalmente comprar la máscara en la casa natal del compositor", narró emocionada del Río.

El Saramago melómano

Pero, ¿hasta qué punto la música influyó en Saramago?

Semanas más tarde de la presentación del libro, Pilar Del Río desvela para lainformacion.com que el autor escuchaba música por lo que ésta tenía de obra acabada y le ofrecía, y también por lo que en él removía o calmaba. "Sé que no podía vivir sin música y buscaba versiones, tal interpretación, tal dirección, tal grabación... No era un maniático, era un "disfrutón" simplemente", matiza la traductora.

"La música estaba presente en su vida y, lógicamente, tenía que estar en su obra. Desde Memorial del Convento a las Intermitencias de la muerte, siempre ha sonado música en sus libros", añade.

"Ahora vemos que el Saramago de treinta años recién cumplidos [momento en el que escribió Claraboya] ya tenía muy definidos sus gustos y Beethoven era para él un genio que lo elevaba o lo inundaba. Era magnífico verlo oír música y, a veces, hacer como que dirigía la orquesta. Me da la sensación que los escritores siempre quieren dirigir orquesta y tal vez escribir una novela sea bastante parecido a un concierto, a la interpretación de una sinfonía porque cada elemento tiene que estar en su sitio, con su propia personalidad y todos juntos deben ofrecer un resultado que se asemeje a lo que entendemos por armonía", relata la traductora.

Saramago escuchaba a Beethoven permanentemente. "Dependía del estado de ánimo o del momento de trabajo, no puedo decir qué escuchaba más, pero también escuchaba a otros autores. A veces se pasaba días oyendo a Bach, La pasión según San Mateo, pero luego podría no volver sobre ella en semanas. Tenía criterios y momentos", afirma.

El símbolo de la admiración

Del Río no sabía que la máscara que aparece en Claraboya era tan importante para él. "Vi la alegría con que la sacó de la maleta una de las veces que regresaba de Alemania, me dijo que la había comprado en la casa natal y la colocó en su estudio. A mí no me gustaba y, sin recordar lo que había escrito en Claraboya, cuando pude la retiré a un lugar discreto, casi invisible. Ahora me arrepiento, pero para arrepentirme tuve que volver a leer el libro y ahí me encontré con con la evidencia de mi injusticia... A veces interferimos sin darnos cuenta", dice con retazos de melancolía y cierta culpabilidad.

El momento clave llegó cuando ya estaba acabando la traducción del libro y vuelve a salir la máscara. Pilar se sintió entonces avergonzada por haberla quitado de un lugar principal de su estudio, así que se fue a buscarla y acabó la traducción con la máscara de Beethoven en los brazos como si fuera un niño recién nacido. "Así la acunaré mientras pueda acunar", matiza ahora con emoción, con delicadeza.

Blanca, enorme, con las facciones duras del compositor... La cara de Beethoven en escayola es fría, sin embargo dentro de Claraboya Saramago le da una calidez especial utilizando precisamente su música.
Fuente: lainformacion.com

La Isla del Lector: Ángel Gónzalez

Breves acotaciones para una biografía

Cuando tengas dinero regálame un anillo,
cuando no tengas nada dame una esquina de tu boca,
cuando no sepas qué hacer vente conmigo,
pero luego no digas que no sabes lo que haces. 

Haces haces de leña en las mañanas
y se te vuelven flores en los brazos.
Yo te sostengo asida por los pétalos,
como te muevas te arrancaré el aroma. 

Pero ya te lo dije:
cuando quieras marcharte ésta es la puerta:
se llama Ángel y conduce al llanto.

Ángel González

Reino de Hades: "Lleva nuestra esencia con un toque metalero

Jueves, 23 de Febrero de 2012 12:10 Diario JAEN CULTURA - NOTICIAS CULTURALES

Los siete componentes de la 
banda  jiennense Reino de 
Hades

Pepi Galera/Jaén
Aqueronte es el río que lleva hasta su reino, Hades. Y sus aguas, convertidas en canciones, traen su nuevo disco, lleno de leyendas. La banda jiennense Reino de Hades presenta este sábado su primer disco de estudio, 'Leyendas de Aqueronte', recién salido del estudio de grabación. Después de más de diez años de vida, dos maquetas y varios cambios en la formación inicial, este trabajo se ha 'gestado' durante más de un año. 

 

“Nuestra música se mueve por el heavy metal melódico, con la incorporación del violín, y con toques celtas y folk, que surgen fruto de la colaboración de flautas y gaitas”, explica Antonio Pérez, bajo de la banda. “Este disco contiene nuestra esencia, pero quizá sea el más metalero que hemos hecho, tiene más guitarra”, detalla. Son once canciones originales, que se distinguen por una amplía variedad temática, sin ceñirse a un hilo narrativo. “Tenemos canciones que hablan de asuntos sociales, como Suspiros de Dolor, que toca la violencia de género, hasta otras que se mueven por el mundo de la fantasía y las leyendas”, comenta. 

“Estamos muy satisfechos con este trabajo. Es nuestro primer disco de estudio de larga duración”, explica. De hecho, anteriormente, grabaron dos maquetas, “Creación”, en 2004, y “Las puertas del Reino”, en 2008. La formación está compuesta actualmente por el violinista Ernesto Ibáñez, el teclista David López, el vocalista José Fernández, los guitarras Javier Serrón y Emilio Caravaca, “El Manta”, y Fabio Romero, en la batería, como última incorporación.

Este sábado, en la Sala Kharma, harán la puesta de largo de “Leyendas de Aqueronte”. Tocarán junto con otras dos formaciones, los jiennenses V-Show y los sevillanos Empyrica, que también presentaran su último trabajo. “Después de este concierto en nuestra tierra —sus siete componentes son de la provincia de Jaén—, empezaremos una gira en la que aún estamos cerrando fechas. Por lo pronto, está casi cerrado que toquemos en Madrid, en la sala Scalibur, el 23 de marzo y probablemente, también en Sevilla”, comenta el bajo. “En Kharma, la entrada costará cuatro euros, pero haremos una oferta especial por ser la presentación del disco. Por 10 euros, incluiremos también el CD”, detalla.

La agenda de la Sala Kharma para esta semana se complementa también con otras dos grandes fiestas. Hoy, será el turno de la cita universitaria con la Cata de Magisterio, a partir de las cuatro de la tarde. La entrada cuesta cinco euros. Para mañana viernes, está organizada la “i30 party” de Hyundai, en la que habrá una actuación del grupo Electroduendes y diferentes espectáculos de animación. Es necesaria invitación que se puede recoger en Jacarsa, el punto de información de la Universidad de Jaén o El Corte Inglés.

Lugar de la actuación

Sábado, 25 febrero, en la Sala Kharma.

Horario: Apertura de puertas, a las 20:30. Actúan con los grupos invitados Empyrica y V-Show. 

Precio: 4 euros. Entrada más CD, 10 euros

Pedro Javier González versionando a Mark Knopfler

Maravillosa versión con guitarra española. Para disfrutar.

Se filtran las primeras fotos de la muerte de Whitney Houston

Música

11:29h | lainformacion.com

Whitney Houston ha fallecido esta madrugada en un hotel de Los Ángeles a los 48 años. El fallecimiento se produjo alredor de las tres del mediodía hora local, y su muerte se certificó a las 3:55 horas. Las primeras imágenes de su cadáver cubierto con una sábana ya han sido filtradas.

La web TMZ publica una imagen en la que se ve el cadáver de la cantante cubierto por una sábana.

El médico forense Ed Winter ha tomado la que quizá sea la primera fotografía del cadáver (cubierto por una sábana, eso sí) de Whitney Houston, que ha sido publicada por la web TMZ, dedicada a asuntos de famosos.

Esta misma publicación recoge imágenes de una desmejorada Whitney Houston el pasado jueves por la noche, y especula con la posibilidad de que la causa de la muerte de la cantante haya sido el ahogamiento en la bañera de la habitación del hotel.

Además, esta web de cotilleos asegura que la hija de Whitney Houston y Bobby Brown, Bobbi Kristina, intentó acceder a la habitación para ver el cadáver de su madre pero las fuerzas de seguridad se lo impidieron.

Vídeo de «We take care of our own», single del nuevo disco de Bruce Springsteen

Música

«Wrecking Ball» se publica en todo el mundo el 6 de marzo

ABC.es / MADRID

Día 10/02/2012 - 16.45h

ABC

Bruce Spirngsteen ha estrenado hoy el vídeo de «We take care of our own», single de su nuevo disco

Bruce Springsteen ha estrenado el vídeo de «We Take Care Of Our Own», el primer single de su nuevo álbum, «Wrecking Ball», que se publica en todo el mundo el 6 de marzo de 2012. Se trata de su decimoséptimo álbum de estudio y contiene once nuevas canciones producidas por Ron Aniello y el propio Bruce, con Jon Landau como productor ejecutivo.

«We Take Care Of Our Own» es, como en estas mismas páginas escribía Manuel de la Fuente, una canción cargada de futuro y buenos deseos, porque nadie debe esperar de un rocker de Nueva Jersey (hijo de irlandés e italiana, gente que sabía bien lo que era la oficina del paro) que escriba un himno okupa, sino una canción patriótica que, en estos tiempos de crisis, llama a los norteamericanos a proteger sus valores, sus ideas, lo que les ha hecho grandes como nación.

En el primer día de preventa, el single se colocó en el número 2 y el álbum en el número 1 de las listas de iTunes en España. Dicha preventa incluye el regalo inmediato del single. Bruce Springsteen actuará con la E Street Band en la ceremonia de la 54ª edición de los Premios Grammy, que se celebrará el próximo 12 de febrero en el Staples Center de Los Angeles (Estados Unidos).

Su paso por España

La banda comenzarán el 18 de marzo en Atlanta (Estados Unidos) la primera parte de su gira «Wrecking Ball World Tour 2012», que incluye seis conciertos en España y comenzará el 13 de mayo en Sevilla (Estadio Olímpico), para continuar el día 15 en Palma de Gran Canaria (Estadio de Gran Canaria), los días 17 y 18 de mayo en Barcelona (Estadio Olímpico), el 2 de junio en Donostia-San Sebastián (Estadio Anoeta) y el 17 de junio en Madrid (Estadio Santiago Bernabéu). Este periplo europeo finalizará el 31 de julio en Helsinki (Finlandia) para cerrar la gira mundial.

Los músicos de la E Street Band que harán la gira con Bruce Springsteen son: Roy Bittan (piano, sintetizador), Nils Lofgren (guitarra, voz), Patti Scialfa (guitarra, voz), Garry Tallent (bajo), Stevie Van Zandt (guitarra, voz) y Max Weinberg (batería), con Soozie Tyrell (violín, guitarra, voz) y Charlie Giordano (teclados).

El músico callejero más elegante y alucinante del mundo

Música

03/02/2012 | Quique Peinado

¿Cómo es posible que este tipo sea capaz de sonar como cinco músicos si sólo tiene un violín y algo que maneja con el pie? Sólo podrás saberlo si ves en acción a Bryson Andrés, el hombre orquesta más elegante.

Youtube bulle de vídeos que la gente graba cuando se cruza con Bryson Andrés, un muchacho con pinta de moderno, natural de Anchorage (Alaska) y de 20 años, que suena él solo como un cuarteto de cuerda y un percusionista, de regalo.

Su peculiar manera de construir bases y capas para sus canciones en directo va creando una atmósfera de asombro. La clave, aparte de su virtuosidad e imaginación, es esa pedalera loop que graba lo que tocas y, cuando lo pisas, lo reproduce 'infinitamente'.

Andrés, que es profesional de la música callejera y viaja por todo el país, ha ido creando una reputación y una fama a través de las grabaciones que la gente que lo ve actuar hace y cuelga en Youtube. Por ejemplo, ésta, que ha dado la vuelta al mundo con más de 600.000 reproducciones.



Al margen de sus actuaciones callejeras, Andrés también ha grabado vídeos mejor editados. Por ejemplo, esta descomunal versión del Halo de Beyoncé.

Andrés tiene un disco que vende directamente por Internet en su web personal por 7,5 euros. Eso sí, es mucho mejor verlo en directo. Y, para eso, hay que buscarlo en las calles de Estados Unidos. Como con el Equipo A, si tiene suerte y si lo encuentra, quizá pueda disfrutarlo.
Fuente: lainformacion.com

La Isla del Lector: Nueva edición de "El perfecto wagneriano"

CULTURA

Se reedita "El perfecto wagneriano", de George Bernard Shaw, Premio Nobel de Literatura de 1925.

Carlos de Matesanz - 20-01-12

George Bernard Shaw, Premio Nobel de Literatura de 1925, fue el más destacado crítico musical de su tiempo, aunque esta faceta de su actividad no sea la más conocida. La mejor expresión de su labor en ese campo es “El perfecto wagneriano”, de 1898, un análisis profundo pero claro y revelador de la tetralogía operística “El anillo del Nibelungo” de Richard Wagner. Ahora aparece en las librerías editado por Alianza, lo cual es una excelente noticia, pero no sería noticia de portada si no fuera por la excelente labor editorial llevada a cabo por Eduardo Valls, especialista en Literatura Inglesa de la Universidad Complutense, responsable de la traducción, las notas, un extenso y enjundioso estudio introductorio y el apéndice final, que convierten la el volumen en algo más que lectura informada: es un pedazo de Cultura con mayúscula, de la que queda. 

Fuente: cope.es

El nuevo single de Bruce y los recuerdos de mi pasión springsteeniana

19 enero, 2012 - 15:17 - Autor: Darío Manrique

Me gusta el nuevo single de Bruce Springsteen, We Take Care of Our Own. Me gusta cómo empieza (guitarra chirriante, batería demoledora) y cómo acaba (con esas cuerdas). Me gusta la letra, con sus referencias al Katrina, tan norteamericana como siempre, tan fácilmente aplicable a todo el mundo como siempre.

Es el primer sencillo de Wrecking Ball, el nuevo trabajo de Springsteen, a la venta el 5 de marzo, y es probablemente el que más me ha gustado de sus últimos discos. También es cierto que en la última década no le he prestado mucha atención, aunque he escuchado casi todo lo que  ha hecho. Pero nada que ver con una época, a principios de los 90, en la que fui muy fan de Bruce Springsteen. Recupero ahora un texto que escribí a petición de Fernando Navarro para su blog, La ruta norteamericana, hace dos años y pico, en el que recordaba esa época de mi adolescencia:

En pocos momentos de mi vida he sido fan-fatal de nadie. Si descontamos un breve episodio pre-adolescente madonniano, motivado más que nada por el despertar hormonal (era la época más guarrona de Madonna), creo que nunca he estado más obsesionado con nadie que lo que lo estuve con Bruce Springsteen de 1991 a 1994 (año más, año menos).

Ciertamente, no fue la mejor etapa de Springsteen, musicalmente hablando: Human Touch y Lucky Town (ambos del 92) son bastante flojitos, la E Street Band había sido temporalmente despedida, e incluso el anterior disco (Tunnel of Love) no figura entre lo mejor de su discografía. Pero mi fanatismo venía de unos años antes, exactamente del 2 de agosto de 1988. Esa noche mis padres me llevaron a ver a Springsteen con la E Street Band al Vicente Calderón, y fue una experiencia iluminadora: casi 3 horas de rock & roll en estado puro que hicieron mella en mi infantil mente de onceañero (aquí está el repertorio que sonó). Me impresionó el derroche de energía, cómo se podía estar cantando y bailando con esa intensidad, no sólo sin caer rendidos al suelo, sino además disfrutándolo -como era obvio que lo estaban haciendo-, tanto los músicos sobre el escenario como las miles de personas que estaban viéndolos.

La semilla de esa noche fue creciendo y dos o tres años después ya me sabía toda la discografía springsteeniana al dedillo (salvo quizá Nebraska, que reconozco que se me hacía durillo), e hice todas aquellas cosas que los fans hacen: compraba camisetas, almacenaba recortes de prensa sobre mi ídolo, leía biografías suyas (recuerdo sobre todo una, muy desencantada, de Ignacio Juliá, llamada Promesas rotas), etc. Llegué a comprar grabaciones piratas, incluso: contacté con un tipo que vendía bootlegs de conciertos y me pillé el de aquella noche de agosto de 1988 ¡¡en casete!! El sonido era horrendo, se escuchaba más a la gente que el tío con la grabadora tenía alrededor que al grupo. Sólo oí esas dos cintas una vez, pero consideré que, por su valor simbólico, la pequeña fortuna que me habían costado (2.000 pelas, las dos) merecía la pena como inversión.

Pasó el tiempo y la “Fiebre Brucista” fue remitiendo, ante el descubrimiento de sonidos más “modelnos”. The Ghost of Tom Joad, por ejemplo, no me interesó demasiado, y no hice ningún esfuerzo por ir al concierto del Palacio de Congresos de Madrid (de lo que hoy me arrepiento, claro). Pero nunca ma avergoncé de esa fiebre, y recuerdo esos años de mono-dieta con tremendo cariño. Con los años he vuelto a recuperar el interés por Springsteen, aunque sus discos nuevos no me producen la excitación de, digamos, un Darkness on the Edge of the Town, tal vez mi favorito. También les tengo especial cariño a los dos primeros álbumes, el Greetings from Ashbury Park, N. J. y The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle. De este último es la canción con la que me despido, la excitante The E Street Shuffle.

Ah, por cierto, las cintas del concierto del Calderón están desaparecidas, debí de tirarlas en alguna limpieza de casetes/mudanza. Una pena… ¿No tendrá alguien una grabación de esa noche? Me vale en cinta…
Fuente: lainformacion.com

Cesaria Evora, "la diva descalza" que popularizó el "blues" caboverdiano

• Ha muerto en un hospital de su país a los 70 años de edad

• La artista africana recibió numerosas distinciones a lo largo de su carrera

EFE - LISBOA 17.12.2011 - 18:13h

Conocida como la más importante cantante en la historia de Cabo Verde, Cesária Evora, apodada también "la diva descalza", ha fallecido este sábado en su país natal apenas unos meses después de abandonar la música por problemas de salud.

A finales de septiembre, Cesaria Evora anunció su despedida por consejo médico, dejando atrás una larga carrera en el mundo de la música que le reportó un éxito tardío pero internacional, con el que dio a conocer el "blues" caboverdiano, la "morna".

Nacida en la isla de San Vicente (Cabo Verde) un 27 de agosto de 1941, siempre estuvo rodeada de canciones e instrumentos. Como los que tocaba su padre, Justiniano de la Cruz, profesional del violón y el violín, o su hermano Lela, al saxofón.

A los 16 años "Cise", como la llamaban los más allegados, comenzó a actuar en bares y hoteles, con canciones cargadas de esa melancolía que impregnó toda su obra y que fueron recopiladas en un disco editado en 2008, "Rádio Mindelo".

Su voz, grave, convirtió sus canciones en poco menos que inconfundibles, acompañadas siempre de los ritmos propios de su tierra, influenciados por la colonización portuguesa y sus raíces africanas.

Coincidiendo con la independencia de Cabo Verde de Portugal, en 1975, la cantante vivió una época de depresión, cuando dejó de lado la música durante una década y cayó en el consumo abusivo de alcohol, concretamente el "grog", un aguardiente caboverdiano.

Las "mornas" -que algunos conectan con el fado luso- y "coladeras" -similares a las anteriores, pero de ritmo más acelerado- de Cesária Evora no salieron de Cabo Verde hasta finales de la década de los 80.

Salía al escenario con los pies desnudos

El resurgir de "la diva descalza" -apodada así por su costumbre de salir al escenario con los pies desnudos, como era costumbre en su tierra natal- llegó a partir de 1985, cuando viajó a Lisboa y comenzó a cantar en un local con música en vivo en la capital lusa, donde grabó su primer trabajo en solitario.

Dos años después, el productor José da Silva la escucha y le propone grabar un álbum en París, titulado precisamente "La diva descalza", como se le conocería para la posteridad.

A este disco, que no suscitó el entusiasmo entre la crítica, le siguió "Mar azul", en 1991, y apenas un año después "Miss Perfumado", cuando realmente le llegó el éxito internacional, a los 50 años.

Desde entonces recorrió el mundo entero con su música y compartió escenario con algunos de los más reconocidos artistas, como Compay Segundo, Chucho Valdés o Caetano Veloso.

La artista africana recibió numerosas distinciones a lo largo de su carrera, entre ellos el Premio de la Música de la UNESCO (1998), un Grammy a Mejor Album (2004) y la consideración de Caballero de la Legión de Honor de Francia (2009).

Ya en 2008 sufrió de graves problemas de salud, cuando tuvo un infarto cerebral mientras se encontraba de gira por Australia.

La cantante caboverdiana, que tiene dos hijos, ha fallecido a los 70 años en San Vicente, su isla natal, acompañada por su agente, José Da Silva, y debido a una "insuficiencia cardiorrespiratoria aguda y tensión cardiaca elevada", según el parte médico divulgado por medios lusos.
Fuente: rtve