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domingo, 13 de enero de 2013

Nastassja Kinski dice que se alegra de que su padre esté muerto

lainformacion.com
domingo, 13/01/13 - 10:32


Berlín, 13 ene (EFE).- La actriz alemana Natassja Kinski asegura que se alegra de que su padre, el legendario actor Klaus Kinski, esté ya muerto y dice que siempre fue un tirano aunque, a diferencia de lo que ocurrió con su hermana Pola, no llegó a abusar sexualmente de ella.


Nastassja Kinski dice que se alegra de que su padre esté muerto

"Fue siempre un tirano y aterrorizaba a toda la familia. Me alegró de que ya no esté vivo", dice la actriz, de 51 años, en declaraciones que publica hoy el dominical "Bild am Sonntag".

"El no era un padre, el 99 por ciento del tiempo tenía miedo de él", agrega la actriz.

Pola Kinski reveló recientemente en un libro que su padre había abusado de ella continuamente ante lo que su hermana Nastassja la califico de "heroína".

Con ella, el actor no llegó a ese extremo pero Nastassajia asegura, en las declaraciones al dominical alemán, que hubo aproximaciones físicas que iban más allá de la ternura paternal y que la hacían sentir mal.

"Lo intentó. Me tocaba mucho, me abrazaba de tal manera que yo sentía que no me podía escapar. Y yo tenía cuatro o cinco años", dice la actriz.

"Me besaba en la mejilla y no me sentía bien. Sentía que no eran los abrazos cariñosos de un padre sino algo más", agrega.

Pola Kinski es hija del primer matrimonio del actor y Nastassja del segundo.
(Agencia EFE)

jueves, 27 de septiembre de 2012

'Blancanieves' de Pablo Berger será la película que España enviará a los Oscar

Ylenia Álvarez
jueves, 27/09/12 - 12:05
  • 'Blancanieves' es una visión del popular cuento de los hermanos Grimm, ambientada en los años 20.
  • La película de Pablo Berger se estrena este 28 de septiembre en la cartelera.
 
Tráiler de 'Blancanieves'  -Video: lainformacion.com

    El presidente de la Academia de Cine, Enrique González Macho, junto a los actores Bárbara Lennie y Alberto Ammann han dado a conocer esta mañana el nombre de la película que respresentará este año a España en los Oscar de Hollywood y la elegida finalmente ha sido Blancanieves de Pablo Berger.

    Blancanieves es una original visión del popular cuento de los hermanos Grimm, ambientada en los años 20 en el sur de España.

    La joven del tradicional cuento es Carmen (Macarena García), una bella muchacha con una infancia atormentada por su terrible madrastra, Encarna (Maribel Verdú). Huyendo de su pasado, Carmen, emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de enanos toreros.

    Se trata de una película muda y en blanco y negro que se estrena en las salas este viernes 28 de septiembre y que ha cosechado una larga lista de inmejorables críticas a su paso por el Festival de Cine de San Sebastián y el de Toronto.

    Blancanieves se ha impuesto por encima de las otras dos películas preseleccionadas El artista y la modelo de Fernando Trueba y Grupo 7, protagonizada por Mario Casas. Un total de 93 películas españolas optaban este año a suceder a Pa negre, de Agustí Villaronga, como abanderada española en la ceremonia de Hollywood.

    La película también ha sido la seleccionada para representar a España en los premios Ariel de México. Hasta el 10 de enero no se sabrá si la película está entre las cinco nominadas a mejor película de habla inglesa en los premios de Hollywood.

    "Quiero ser un hipnotizador. Cuando cuente tres, dos, uno.. vais a entrar en el mundo de Blancanieves y que no salgáis hasta que diga ya", decía el director en una rueda de prensa hacía unos días en San Sebastián.

    La película se gestó en 2005 y ha tenido que luchar contra viento y marea para salir por fin a la luz. Tras el éxito el pasado año de la película francesa The Artist la baza del cine mudo y en blanco y negro parece volver con fuerza.
    Fuente: lainformacion.com

    sábado, 11 de agosto de 2012

    Los 10 mejores finales de la historia del cine

    6/09/2012 06:00 | Julio Vallejo | aviondepapel.tv

    Anthony Quinn, crítico del diario ‘Independent’, ha seleccionado las películas que, según su criterio, tienen una conclusión excepcional. En el libro colectivo ‘Curiosidades de cine’, Quinn nos recuerda así clásicos como ‘Con la muerte en los talones’, ‘Chinatown’, ‘Casablanca’ o ‘Grupo salvaje’. 

    Foto de Fotograma de la película `Grupo salvaje´
    Fotograma de la película `Grupo salvaje´.

    “¡No me cuentes el final!”. Muchos espectadores han oído esa frase cuando un amigo le da su opinión sobre una película que aún no ha visto.

    Anthony Quinn, el crítico del periódico británico Independent, ha decidido hacer oídos sordos a esta llamada de atención para ofrecernos una clasificación de aquellos filmes que acaban su metraje de manera memorable en el libro colectivo Curiosidades de cine, en el que participa Quinn.

    Una cuenta atrás de este ranking de 10 grandes finales se cierra con Pelham uno, dos, tres (Joseph Sargent, 1970). Este thriller, que tiene entre sus fans a Quentin Tarantino, utiliza una argucia de guion para conseguir un final sorprendente.

    El protagonista, un jefe del Servicio de Tráfico de Nueva York, habla a lo largo de la película con uno de los secuestradores de un vagón de metro. Durante su conversación, el criminal da muestras de encontrarse resfriado.

    En los últimos minutos del filme, cuando han muerto la mayoría de los captores, el investigador averigua que existe un superviviente del grupo cuando oye toser a un conductor de trenes que jura que ha estado todo el día en casa.

    En el noveno puesto de la lista de grandes desenlaces se encuentra Con la muerte en los talones (1959), el clásico de Alfred Hitchcock. El mago del suspense sitúa a sus dos protagonistas, Cary Grant y Eva Marie Saint, a punto de caerse de una ladera del monte Rushmore.

    En tan solo cuarenta y tres segundos, el mago del suspense enseña cómo uno de los malvados muere, el bueno consigue salvar a la chica, un microfilm que comprometía a Estados Unidos queda en buenas manos y la pareja protagonista coge un tren en dirección al este.

    La octava posición la ocupa la inquietante Amenaza en la sombra (1973), una de las películas más recordadas de Nicolas Roeg. Donald Sutherland y Julie Christie visitan Venecia para olvidar la trágica muerte de su hija.

    Allí se encontrarán con una mujer clarividente que ha recibido mensajes de peligro inminente enviados, supuestamente, por la pequeña fallecida.

    La conclusión del filme nos muestra al esposo persiguiendo a una figura con una capucha roja. Al conseguir pararla, vemos a un enano de rostro maligno que le apuñala en la yugular. Sin duda, el momento es difícil de olvidar para todos aquellos que hayan visto esta desasosegante película.

    El largo Viernes Santo (John MacKenzie, 1980) ocupa el séptimo lugar de la clasificación de Quinn. Los últimos segundos del filme nos muestran a un gánster inglés, secuestrado por unos miembros del IRA a la salida de un hotel.

    El rostro de Bob Hoskins, el actor encargado de interpretar al personaje, es una mezcla de cólera, resignación y admiración por sus enemigos.

    Sexto puesto: La vida privada de Sherlock Holmes (1970), una de las últimas películas del gran Billy Wilder. En el epílogo del filme, vemos cómo el mítico detective recibe la noticia de la ejecución de la espía alemana de la que había estado enamorado.

    Holmes, entristecido, le pide a su fiel Watson que le prepare una inyección, que suponemos llena de cocaína, para poder superar el mal trago. La música de Miklós Rózsa pone banda sonora a esta patética y triste conclusión.

    La conversación (1974), una de las obras maestras de Francis Ford Coppola, se hace con el quinto lugar. El final nos muestra a su protagonista (Gene Hackman), un hombre encargado de realizar escuchas, desmontando su apartamento en busca de un micrófono oculto. Exhausto, decide tocar el saxo en una imagen que muestra la gran soledad del personaje.

    El tercer hombre (Carol Reed, 1949) no podía faltar en el cuarto peldaño de la clasificación. El protagonista, un escritor de segunda fila, acude al entierro de Harry Lime, un amigo que ejercía de espía.

    El novelista espera poder reconciliarse con la novia de su amigo. Sin embargo, ella pasa frente a él sin dirigirle la palabra y frustrando sus propósitos de una posible relación.

    En el tercer lugar del podio, encontramos los últimos momentos de Casablanca (Michael Curtiz, 1942). Rick, el dueño del club más famoso de la ciudad africana, deja marchar a su amada Ilsa con el que ahora es su marido.

    Después dispara al general Strasser que pretendía detener a la pareja y, junto al cínico Renault, pasea bajo la niebla.

    Es el principio de una gran amistad y una de las conclusiones más acertadas de la historia del séptimo arte.

    Chinatown (Roman Polanski, 1974) se sitúa como el segundo mejor final de la historia cinematográfica. Resulta verdaderamente imborrable la imagen del detective protagonista, interpretado por Jack Nicholson, abandonando desolado el lugar donde han disparado a Evelyn, una mujer que ha sido, a la vez, su cliente y amante.

    “Olvídalo todo. Es el barrio chino”, le aconseja uno de sus acompañantes.
    El lugar de honor de los finales más memorables del cine lo ocuparía Grupo Salvaje (Sam Peckimpah, 1969).

    Los últimos instantes de este clásico del western nos muestran a los dos supervivientes de la banda de forajidos protagonista, encarnados por Robert Ryan y Edmond O’Brien, armándose de fuerzas para seguir adelante después de la muerte de sus compañeros.

    Mientras se ríen ante su siguiente destino, participar en la revolución mexicana, se intercalan imágenes del resto de miembros fallecidos del peculiar grupo.

    Fin.
    Fuente: lainformacin.com

    jueves, 26 de julio de 2012

    Aki Kaurismäki ha puesto en el mapa al cine finlandés

    Aki Kaurismäki: innovación clásica, caos impecable 

    25/07/2012 12:06 | lainformacion.com

    Innovador de profundas raíces clásicas, Aki Kaurismäki ha puesto en el mapa al cine finlandés con películas como "Un hombre sin pasado" o "El Havre" en las que ha desarrollado un universo original del que él mismo parece formar parte, tal como estudia Pilar Carrera en un libro monográfico que edita Cátedra.

    Mateo Sancho Cardiel
    Madrid, 25 jul.- Innovador de profundas raíces clásicas, Aki Kaurismäki ha puesto en el mapa al cine finlandés con películas como "Un hombre sin pasado" o "El Havre" en las que ha desarrollado un universo original del que él mismo parece formar parte, tal como estudia Pilar Carrera en un libro monográfico que edita Cátedra.

    Recurriendo a lo que decía Walter Benjamin de que "no hay que creerse todo lo que dicen los autores sobre su obra", Carrera, profesora de la Universidad Carlos III de Madrid, se ha enfrentado a un director de cine cuya realidad como hombre es sumamente escurridiza y cuyas declaraciones hay que poner siempre en cuarentena.

    "Lo que hace, dice, sus apariciones públicas... está todo orquestado. Sus historias continúan en las ruedas de prensa que ofrece en los festivales. Se ha creado un personaje y actúa en consecuencia. Es muy dado a la 'boutade' (broma), podría formar parte de sus propias películas", asegura la autora de este monográfico.

    Haciendo un repaso a títulos tan conocidos como "Un hombres sin pasado", "Nubes pasajeras" y "La chica de la fábrica de cerillas"; o pequeñas joyas ocultas como "Total Balalaika Show" o "Leningrad Cowboys Meet Moses", Carrera alumbra un escrupuloso método de trabajo que no tiene nada que ver con la dispersión, pues según Carrera, el cineasta finlandés "tiene una precisión narrativa impresionante y es un escenógrafo excepcional".

    "Kaurismäki es el único cineasta capaz de explotar todo el potencial melancólico de esos objetos industriales decrépitos. Son ruinas cotidianas. Y sus personajes, aunque no los ves inmutarse, no los ves llorar, enseguida sabes qué sienten. Es una emoción mucho más fría más pura. No despliegan los sentimientos, no te ríes a carcajadas. Es una risa para dentro", añade Carrera.

    Y en un cine lleno de sabiduría referencial desde Buster Keaton a Robert Bresson pasando por Douglas Sirk, Kuarismäki utiliza esas citas "para economizar narrativamante" y consigue sobreponerse al "dejà vu" para crear ese universo propio por el que han paseado Kati Outinen, Jean-Pierre Léaud o la perra Laïka, proveniente de una familia de hasta seis generaciones de actores caninos.

    "Kaurismaki lo que ha hecho ha sido aunar dos formas que están ahí desde hace mucho: la palimpséstica posmoderna y la narración más lineal, más clásica a la hora de contar", resume la autora.

    En esa precisión, poco parece combinar su afición al vino y al tabaco, su vida rodeado de perros en una caravana en las inmediaciones de Oporto. O, en cualquier caso, poco importa. "Él no se entrega nunca del todo, por lo que no he buscado el desenmascaramiento. He intentado bucear en sus películas y ver qué rasgos narrativos caracterizan su cine", asegura Carrera.

    Pese a ese universo propio, Kaurismäki también ha hecho peculiares paradas en el planeta de Dostoieski en su "Crimen y castigo" o en la galaxia shakespeariana en "Hamlet vuelve a los negocios", además de haber rodado no solo en Finlandia, país con el que tiene una relación de amor-odio, sino también en Francia.

    "Su corpus creativo es voluntariamente diverso, pero su autenticidad es indiscutible. Es un estilo claramente reconocible. especie de mezcla que le caracteriza. Empeñado en unificar sus temas bipolares: el obrero, no es un obrero gregario como el que se ve en el cine de Ken Loach. Es mezcla de obrero y cowboy. Un bohemio y un 'outsider' de la sociedad capitalista", ejemplifica Carrera.

    "Tienes la sensación de encontrarte con algo distinto, que al mismo tiempo está lleno de otredades, de apropiaciones. Es complejo, complicado y al mismo tiempo de aparente simplicidad total. Su cine lo protagonizan astros sin atmósfera. No tienen pasado, el futuro es incierto. No tienen sombra", concluye Carrera.

    viernes, 13 de julio de 2012

    Un documental muestra el retrato más íntimo y amargo de Buñuel

    Luis Buñuel
    Luis Buñuel durante un rodaje. (GTres)
    • El documental 'Buñuel en Hollywood' se reedita ahora con material inédito grabado por su propia cámara.
    • La cinta se elaboró como homenaje al centenario de su nacimiento en 2000.

    EFE. 13.07.2012 - 12.38h
    Los diez años que el director Luis Buñuel pasó en la meca del cine se recogen en el documental Buñuel en Hollywood, que se reedita ahora con material inédito de su propia cámara y que refleja el "retrato más íntimo y amargo del cineasta turolense" en el distrito angelino.

    "La cinta se elaboró como homenaje al centenario de su nacimiento en 2000, y en el último año ha cobrado especial importancia por el descubrimiento de estos minutos de su vida en EE UU", ha explicado Jorge Ortiz, director de programas de Canal +, en una convocatoria de prensa.

    Buñuel en Hollywood, dirigida por Félix Cábez, se ha proyectado con su nueva cara en la Filmoteca Española en Madrid, y se podrá ver el 17 de julio a partir de las 00:40 horas en Canal+1.
    Hablar de Hollywood en relación con Luis Buñuel es de incomprensión, desesperación y hambre
    La cinta cuenta la década más oscura del director de cine, original de Calanda (Teruel), cuando se trasladó a Hollywood a causa del exilio de la Guerra Civil española y en busca de las oportunidades que le podía ofrecer la meca del cine.

    Allí, el creador de El ángel exterminador (1962), pasó apuros económicos, entre otras cosas, por encontrarse cerradas las puertas de la casa de Charles Chaplin, que entonces acogía a figuras del cine venidos de Europa y que tenían en Estados Unidos una salida a las dictaduras que asolaban en Europa.

    "Hablar de Hollywood en relación con Luis Buñuel no es hablar de éxito y glamur. Es hacerlo de incomprensión, desesperación y hambre", ha afirmado Cábez sobre este trabajo que muestra imágenes de las dos películas que el cineasta terminó bajo producción estadounidense: Robinson Crusoe y The young one.

    Ahora a Buñuel en Hollywood, que cuenta también con las entrevistas de su propio hijo, Juan Luis Buñuel, y de su gran amigo, el también cineasta Jean-Claude Carrière, se le añaden unos minutos de material, que encontró Javier Herrera, documentalista de la Filmoteca Española, en la propia entidad.

    Cábez, que ha destacado que este documental pretende "mostrar la persona que hay detrás de la figura de Buñuel", ha resaltado además el descubrimiento, que ha supuesto una reedición que incluye varias filmaciones caseras sobre la vida privada del director de El discreto encanto de la burguesía, por la que ganó un Oscar de la Academia.

    En las imágenes se ve a un Buñuel padre de familia, acompañado por su mujer, Jeanne Rucar, madre de sus dos hijos, Juan Luis y Rafael, en situaciones cotidianas en el jardín de su hogar, en las que aparecen además Juan Negrín y su mujer, la actriz Rosita Díaz Gimeno, amigos íntimos del matrimonio.

    El documental podrá verse además en Canal+Xtra desde el 15 de julio a las 17.25 horas.
    Fuente: 20minutos.es

    sábado, 23 de junio de 2012

    La UE ordena modificar la Ley del Cine de Cataluña porque discrimina a las películas europeas no españolas

    Cataluña

    La Comisión Europea señala que la norma que obliga a doblar al catalán la mitad de las películas exime a las cintas en español. La Generalidad debe modificar el texto y las soluciones que se barajan dejarían en nada la ley. El Gremio de Empresarios de Cines de Cataluña celebra la decisión de la UE y piden que el acuerdo de septiembre de 2011 se convierta en ley.
     
    Daniel Tercero
    Viernes, 22 de junio de 2012 | 15:40
     
    Según LA VOZ DE BARCELONA, la polémica ley autonómica que pretendía potenciar las películas dobladas en catalán quedará, con toda probabilidad, en nada. La Generalidad de Cataluña tiene desde este jueves dos meses para adaptar la norma a la legislación europea o bien mantenerse en sus trece y que el Tribunal de Justicia de la Unión Europea resuelva el contencioso.

    La Comisión Europea ha pedido a España que ‘ponga fin a las normas discriminatorias que dificultan la distribución de películas no españolas’, que se desprende de la autonómica Ley del Cine de Cataluña, aprobada en 2010, y que ‘obliga a alcanzar un 50 % de distribución de películas [dobladas o subtituladas] en catalán en Cataluña’.

    La literalidad de la norma no establece discriminación alguna entre las películas en español y las películas en cualquier otro idioma de la Unión Europea (salvo la discriminación positiva en favor del catalán, asunto que está pendiente de resolver por el Tribunal Constitucional), pero desde la Comisión han confirmado a LA VOZ DE BARCELONA que la puesta en práctica de la norma “sí comporta un sobrecoste a las películas europeas que no son en español”, lo que vulneraría las leyes del mercado único europeo.

    Una norma al margen de la realidad

    El asunto tiene su importancia y demuestra que el legislador autonómico aprobó una ley que difícilmente podrá aplicarse. La Generalidad optó por llevar a cabo una norma que obligase a las películas que se emitían en Cataluña en versión doblada o subtitulada (no a las que se emitían en versión original, diferencia fundamental) a que al menos, si de distribuían más de 16 copias, se proyectase el 50% de las copias en catalán.

    Esta normativa autonómica, sin embargo, en su literalidad, trata por igual a todas las películas, indistintamente del idioma en que se realicen. Es decir, da el mismo trato a las películas en español que a las películas en inglés, francés, italiano o cualquier otra lengua de la Unión Europea (UE). Pero la realidad, en Cataluña, es bien distinta a la que establece la norma. Y las películas en versión original en español no necesitan (porque el mercado no lo exige) un doblaje o ser subtituladas. La ley autonómica solo afecta a las películas que quieran distribuirse dobladas o subtituladas, pero no a las que se distribuyen en versión original (en cualquier idioma).

    Pero, lógicamente, las películas en versión original que no sea el español o el catalán no tienen salida comercial en Cataluña. Las distribuidoras necesitan doblarlas o subtitularlas para poder recuperar parte de la inversión. Es en este momento, cuando la ley se aplica en una realidad bien distinta a la que pretende el legislador autonómico, en el que entra la Comisión y advierte que se produce una discriminación hacia las producciones europeas no realizadas en español.

    La Comisión entiende, según figura en el comunicado hecho público este jueves, que ‘el objetivo de interés general que persigue [la ley] es totalmente legítimo’, en lo que se refiere a las cuotas establecidas para ‘promover el cine y respaldar el desarrollo de la oferta de cine en catalán’, pero entiende que la normativa es ‘discriminatoria’ respecto a las películas del resto de Europa porque ‘exime [del cumplimiento de estas cuotas] a las películas españolas en versión original en castellano’.

    En concreto, la Comisión considera que la ‘ley supone un sobrecoste comprendido entre 25.000 y 77.000 euros por el doblaje, o entre 2.000 y 5.730 euros por la subtitulación, lo que encarece el producto y dificulta el acceso de las películas europeas no españolas al mercado español’. Una ‘obligación [que] en sí misma es incompatible con el Derecho europeo’, insiste la institución en un dictamen motivado.

    Una ley promovida por el tripartito con el apoyo de CiU

    La Ley del Cine de Cataluña fue aprobada por el Parlamento autonómico el 30 de junio de 2010, dos días después de conocerse el fallo de la sentencia del Tribunal Constitucional sobre el Estatuto de Autonomía, sentencia que recordaba que entre particulares la Administración autonómica no podía imponer ninguna lengua, y que ha servido de base para que la ley ahora impugnada por la Comisión Europea fuera llevada ante el TC por el PP.

    La ley en el Parlamento autonómico tuvo el apoyo de CiU, PSC, ERC e ICV-EUiA y la oposición de PP y Ciudadanos. La normativa establece sanciones de hasta 75.000 euros a aquellos productores y exhibidores que no distribuyan y emitan, al menos, el 50% de las películas en catalán, una obligación que afecta tanto a las cintas dobladas como a las subtituladas. Sin embargo, la norma no se aplica.

    Que el acuerdo de 2011 se convierta en ley

    La situación actual es rocambolesa porque, para evitar la discriminación efectiva a las películas europeas no en español (que no consta literalmente en la ley), la Generalidad solo tiene dos alternativas reales. Una opción es modificar la norma para hacer extensiva la obligatoriedad de doblar al catalán las películas rodadas originalmente en español, algo que ni siquiera se atrevió a establecer el tripartito, cuyo departamento estaba en manos de ERC, y sería recurrido con toda probabilidad ante el TC por el sector e, incluso, podría hacerlo también el Gobierno.

    Y otra alternativa sería eximir de la obligatoriedad de doblar al catalán las películas procedentes del resto de países europeos, lo que reduciría sustancialmente el objetivo pretendido con la ley y situaría a las majors estadounidenses en una posición de discriminación al ser el único colectivo que se vería afectado por la norma. Se convertiría así en un norma solo para las majors.

    Frente a estas posibles soluciones, el Gremio de Empresarios de Cines de Cataluña platea la reforma de la ley autonómica en la línea del acuerdo a tres (distribuidores, exhibidores y Generalidad) alcanzado en septiembre de 2011, que elimina las sanciones y las cuotas y establece que el sector dobla 25 copias al catalán para fomentar este sector en catalán a cambio de subvenciones públicas.

    Así lo ha confirmado Pilar Sierra, directora del Gremio, a LA VOZ DE BARCELONA. “La alternativa a la ley es el acuerdo a tres alcanzado el año pasado. La ley hay que modificarla porque las cuotas no son la solución, y estas y las sanciones son desproporcionadas”, ha indicado.

    En esta línea, Sierra está convencida de que la Generalidad tendrá que modificar la ley autonómica para adaptarla a Europa. “Hay que buscar alternativas viables para no llegar a callejones sin salida”, ha añadido Sierra, que descarta que el Gobierno autonómico intente aplicar el doblaje a las películas en español o eximir de cumplir las cuotas solo a las películas de Europa.

    La Generalidad adaptará la ley pero no sabe cómo

    Pese a este maremágnum creado por la polémica norma, el consejero de Cultura, Ferran Mascarell, tras conocer el comunicado de la Comisión se ha mostrado satisfecho porque, en su opinión, la UE no cuestiona las cuotas de catalán establecidas por la ley. “Tenemos que estar dentro del conjunto de las normas y las demandas que nos hacen, ya veremos cuál es la mejor manera de adaptarnos“, ha añadido.

    El presidente de la Generalidad, Artur Mas (CiU), ha anunciado por su parte, desde Estados Unidos, que el Gobierno autonómico adaptará la normativa a las directrices europeas, pero “sin romper la filosofía de la ley, que es promover el uso del catalán”. “Será una adaptación más técnica que del estricto corazón de la ley”, ha subrayado.

    En los dos casos, así como las fuentes de la Consejería de Cultura consultadas por este diario, no han sabido concretar cómo se adaptará la norma, que, por otro lado, tras el acuerdo de septiembre de 2011, se ha quedado en papel mojado al no aplicarse. Es decir, hay una ley, impugnada por la Comisión Europea y a la espera de que el Tribunal Constitucional diga si es legal, que no se aplica.

    Pendiente de revisión por el Tribunal Constitucional

    Por si todo esto no fuera suficiente, está pendiente de resolverse el recurso de inconstitucionalidad contra la autonómica Ley del Cine presentado por el PP en octubre de 2010, al considerar que el establecimiento de cuotas lingüísticas a los empresarios cinematográficos va en contra de lo ordenado por la sentencia del TC sobre el Estatuto.

    Esta sentencia decretó que el catalán no podía ser lengua ‘preferente’ para la administración, y dictaminó que el deber de disponibilidad lingüística ‘sólo puede ser exigible en las relaciones entre los poderes públicos y los ciudadanos’, pero nunca entre privados.

    Fallece el actor Juan Luis Galiardo a los 72 años

    Cine
     
    Hoy, 21:05 h. | lainformacion.com / Agencias 
     
    El actor Juan Luis Galiardo falleció hoy a los 72 años en la Clínica de la Zarzuela de Madrid, tras "una rápida y devastadora" enfermedad, dijo a EFE su representante, Anabel Mateo.

    El actor gaditano Juan Luis Galiardo ha fallecido este viernes a los 72 años de edad en la clínica de la Zarzuela de Madrid, según informaron fuentes cercanas al intérprete.

    El actor gaditano Juan Luis Galiardo cuenta con una exitosa carrera profesional, que engloba más de un centenar de películas, teatro y otras tantas series de televisión desde que comenzara en el mundo de la interpretación, debutando con un papel de galán en 1960 y después de dejar sus estudios de Económicas e Ingeniería Agrónoma en Madrid.

    domingo, 27 de mayo de 2012

    «Amour» de Michael Haneke, Palma de Oro del Festival de Cannes

    Cine / LXV edición del certamen francés


    El director austriaco repite después de que obtuviese el mismo galardón en 2009 por «La cinta blanca»
    Día 27/05/2012 - 19.57h

    «Amour» de Michael Haneke, Palma de Oro del Festival de Cannes
    reuters
    El director austriaco Michael Haneke, premiado con la Palma de Oro en Cannes por Haneke
    "Amour", dirigida por el austriaco Michael Haneke, ha ganado este domingo la Palma de Oro del 65 Festival de Cannes, segunda para el director, que ya la obtuvo en 2009 por "La cinta blanca".

    domingo, 20 de mayo de 2012

    Deslumbrante y lúcido paseo de Haneke por el dolor y la muerte

    CINE | Festival de Cannes

    Jean Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, en un fotograma de 'Amour'.
    Jean Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, en un fotograma de 'Amour'.

    -Es bonita.

    -¿El qué?

    -La vida. Es tan larga.

    Emmanuelle Riva (genial actiz) hojea un álbum de fotos antiguas. A su lado, Jean Louis Trintignant (genial actor) acaba el almuerzo. Ella extrae de los cajones de su memoria lo que quizá un día dejó. Algunos recuerdos han desaparecido, otros se han transformado y los últimos aún permanecen intactos desde el día que se colocaron con cuidado en el fondo. Sea como sea, lo que sigue inmutable son las cajas como el espacio y recuerdo de lo vivido; como la constancia de una vida que, de repente, se desvanece en un ridículo ritual de sufrimiento y pañales sucios. Probablemente una vida digna merece una muerte a su altura.

    Y entre tanto lirismo de saldo, la cámara se mantiene firme en una conversación de tres líneas. No hay más. Ni un gramo de retórica. No hace falta. Michael Haneke vuelve a sorprender en 'Amour' con una de esas películas condenadas a quedarse tatuada en la retina. En un piso de París, una pareja de ancianos se enfrenta a todo lo que acompaña a la vejez. Que no es exactamente la férrea constancia de la muerte, sino, tal vez, la humillación de la pérdida.

    De nuevo, la estrategia del director consiste en presentar cada acción de frente, sin trampas, sin excusas, sin dejar que el espectador se acomode un sólo segundo en la impostura del melodrama; en la impudicia de la lágrima. Y, pese a ello, pese a la aparente frialdad, cada segundo de metraje conmueve. Conmociona y arrasa.

    Cuenta Haneke que está contento de haber rodado una película "simple". "Nunca escribo para probar nada", continúa. "Simplemente, cuando se llega a cierta edad, es inevitable tener una experiencia cercana del sufrimiento. Eso es lo que quería mostrar. Y para ello, me bastaba una habitación. Estamos cansados de ver hospitales". Y eso es la cinta: dos ancianos solos en la inmesidad de su soledad. Pero soledad compartida. Basta.

    El cine de Haneke, de hecho, vive dedicado a rastrear el delicado mecanismo del horror cotidiano por próximo. La fauna que habita sus películas son seres aquejados de una rara y muy común enfermedad: la cercanía, la normalidad. De hecho, cada uno de sus trabajos obedece a una extraña ceremonia de identificación: la mimetización del espectador con lo que ocurre en la pantalla. Perturba, porque la víctima siempre está demasiado cerca.

    Pero no sólo eso, desde 'Funny games' a 'La cinta blanca' pasando por 'El séptimo continente', 'Caché' o 'El vídeo de Benny', cada película se ofrece como una perfecta disección de todo aquello que nos hace vulnerables y, por tanto, humanos. Y ello sin permitirse una sola concesión a los gestos aprendidos o los recursos de tramoyista. Nunca, para entendernos, el espectador es tratado de idiota.

    Dignidad
     
    Así ocurre de la misma manera en este pieza, entre la bomba de relojería y el reloj de precisión, llamada 'Amour' (que es como los franceses llaman al amor, que no al queso). El espectador es colocado frente a un espejo. Y allí, la carne vive el castigo de la decrepitud con una proximidad lacerante de miradas perdidas. El cuerpo de Emmanuelle Riva se deteriora y con él, la dignidad de una vida entera.

    La de cualquiera. Una vida quizá bonita, quizá larga.

    La cámara del director se mantiene, pudorosa y desafiante, a la altura de los ojos para dejar que sea la mirada (la del espectador y la del actor) la que escriba su propia historia. No hay drama. El drama mancha de cosas tan pringosas como las excusas; las excusas para emocionarse. La emoción, la de verdad, surge desnuda en cada fotograma esculpido con una simétrica perfección.

    Decir que la película trata de la muerte sería reducirla a la última línea. Afirmar que trata 'el espinoso asunto' (como dicen en el telediario) de la eutanasia se antoja de una simplicidad que asusta. Para ser justos, 'Amour' sólo habla de una cosa: de la vida (larga y bonita) y, de su mano, de la dignidad que debería presidir su fin, la muerte. Todo resulta tan contundente, tan brutal, tan limpio, que duele. El cine de Haneke duele. Y es de esa sensación, de la del dolor, de la que extrae la constancia de su actualidad. Duele lo que importa.

    Desde 'Funny games' en 1997, hasta siete películas del austriaco han pasado por la sección oficial de Cannes. 'La pianista' hizo a Isabelle Huppert merecedora del premio a la mejor actriz y 'La cinta blanca' obtuvo, por fin, la Palma de Oro. 'Amour' debería estar en el palmarés. Y lo estará.

    Por lo demás, y a modo de contrapunto, la sección oficial quiso que Thomas Vinterberg (el autor de la celebrada 'Celebración') se estrellara con 'The hunt' (La caza). La idea es rastrear los mecanismos perversos de una comunidad que decide estigmatizar, castigar y odiar a un hombre inocente, falsamente acusado de abusar de menores. Lo que sigue es un disparate cerca del simple telefilme sin rumbo y tan plagado de lugares comunes que, por motivos bien distintos a los de Haneke, asusta. La torpeza también duele.

    Al final quedaba la emoción; la emoción de una conversación de tres líneas; tres líneas en las que cabe el mundo.
    Fuente: EL MUNDO.es

    lunes, 23 de abril de 2012

    Carlos Saura: "España tiene paciencia hasta un punto, pero puede explotar"

    Hace 1 h
     
    Carlos Saura
    Saura presentó en Londres la 
    versión en DVD de su trilogía 
    flamenca: "Carmen, El Amor 
    Brujo y Bodas de sangre"
    Carlos Saura, de 80 años, sigue siendo un anarquista del cine. Arduo defensor del cine de autor, es un artista veleta que tanto le dio jugar con el neorrealismo, la comedia, el documental o, en sus últimos tiempos, con el género musical.

    Este hijo de la guerra civil española se mantiene a flote tras medio siglo de batallas en un sector que dice siempre estar en crisis, pero que ahora parece tener contundentes argumentos que lo avalan: víctima de un tijeretazo estatal del 35%, con una caída del 70% en número de rodajes respecto a 2011, el cine español, dicen, está en cuidados intensivos.

    Pero cuando BBC Mundo interrogó a Saura sobre el enfermo en una breve visita a Londres, su respuesta fue "en realidad el cine español ha estado demasiado protegido".

    ¿Cómo financió su primera película?
     
    Fue a través de un productor, Miguel Guzmán, que quería hacer una película e hicimos Los Golfos. La hicimos en la calle, con la cámara en la mano. Para la España del 59 aquello era muy novedoso, nunca se había hecho una cosa así. Fue seleccionada en el 60 por el festival de Cannes y tuvo cierta repercusión y eso me facilitó el seguir haciendo películas.
    "Es el momento de hacer películas, buenas películas. Se ha hecho mucha mala película."
    Carlos Saura, director de cine
    ¿Cree que un cineasta español hoy en día tiene las mismas, menos o más oportunidades que en aquellos tiempos? 
     
    Tiene más oportunidades y también menos. Ahora con las cámaras digitales cualquier persona, con un poco de cabeza y talento puede hacer una pequeña película. Menos también porque, aunque en mi época también era difícil, la dificultad hoy es que lo que hagas lo vea la gente. Hacer una película hoy no es complicado, pero es más difícil encontrar una distribución o a una televisión que le interese.

    Maltrecho, descalabro, muerte, recorte salvaje... Son algunas de las palabras con las que la prensa describe la situación del cine español actual. ¿Cuál es su descripción? 
     
    No lo sé, no soy productor, pero no veo yo que sea más complicada la situación ahora que la que teníamos nosotros cuando empezamos a hacer cine en los años 50, cuando era imposible entrar en el mundo del cine. Antes había sindicatos y tú no podías dirigir una película tan solo con un productor. Tenías que hacer de ayudante de dirección en al menos cinco películas con directores conocidos, pasando un proceso. 
     
    Las salas de cine en España están cada vez más vacías...
     
    sala de cine
    Las salas de cine españolas viven
    un mal momento, algo que
    algunos achacan al elevado precio
    de las entradas
    El cine ha cambiado, ahora el cine se ve de muchas maneras. Se puede ver a través de la televisión, en DVD, en tu casa con un proyector. Hay unas posibilidades enormes para ver lo que te da la gana. El problema es que necesitas información para eso. Todo tiene que ver con la publicidad y eso está en manos de los estadounidenses, que han sido los más listos, que hacen películas que van al gran público. Contra ellos no se puede luchar.

    ¿Qué se puede hacer entonces?

    El cine personal, lo que he hecho toda mi vida, que sí tiene un público. Yo tengo un público y así he podido seguir haciendo películas.

    Comentaba que España está deprimida, asustada. ¿Qué puede aportar el cine a este contexto de crisis?

    Es el momento de hacer películas, buenas películas. Se ha hecho mucha mala película. Parte de nuestro problema es que se han hecho muchas malas películas, aunque también algunas buenas. Ha habido un nivel bastante bajo que no ha conseguido atrapar al público. Va a haber una limpieza feroz, terrible, dramática en todo. Lo que no sé es si van a quedar los mejores o los peores. Creo que el cine español ha estado demasiado protegido.

    No somos nosotros lo únicos que estamos en crisis. Ahí está el cine italiano, que controlaba el cine mundial desde el punto de vista del prestigio y está peor que el nuestro. El cine alemán está por ahí, el cine francés se va salvando y el inglés se salva gracias a Estados Unidos.
    "Va a haber una limpia feroz, terrible, dramática en todo. Lo que no se es si van a quedar los mejores o los peores."
    El rey, los desaparecidos del franquismo.. La crisis parece haber exaltado un debate latente, ¿tendrá su reflejo en el cine?

    Qué duda cabe, seguro que sí. Hay un creciente interés sobre la guerra española. Parecía olvidado, toda una generación parecía no querer saber nada de la guerra. Hay un creciente interés precisamente por la Repúbica española, que fue una época fantástica. Fue un tiempo de crecimiento intelectual de un talento enorme, de poetas, de pintores, de escritores… No se sabe cómo va a ser el futuro, pero España tiende hacia una república.

    ¿Y ese pensamiento más progresista no choca con el hecho de que la derecha tenga hoy mayoría absoluta en España?

    Carlos Saura
    Saura abandonó sus estudios de
    ingeniería industrial para
    dedicarse a la fotografía y
    luego al cine
    Bueno, sobre el PP, no se qué va a pasar. Hasta qué punto se va a vender a la banca internacional, a las necesidades de otros países. Tengo la sensación de que alguien está controlando todo esto y no sabemos quién es, que es lo peor, no saber quién es, si es una entidad, una empresa, los americanos, si es una mezcla de todo. Antes, al menos sabíamos dónde estábamos, ahora no lo sabemos. Depende de otras cosas. Creo que el PP está acentuando ese miedo.

    Es muy peligroso porque España tiene paciencia hasta un punto, pero puede explotar, que es lo que me da miedo. Una guerra civil, parecida a la que hubo en el 36, es una posibilidad lejana pero hay que tener cuidado con eso, porque la gente se puede cansar.

    Países como Argentina se han mostrado preocupados sobre el impacto que los recortes en España pueda tener en sus cooproducciones.

    Muchas películas, por no decir la mayor parte, son coproducciones con España. Ha habido un flujo muy grande de producciones con Argentina, Cuba, Chile. Eso es muy interesante y no se debería perder nunca. No sé que va a pasar ahora con eso.

    Por último, qué le aconsejaría un cineasta de la llamada "generación perdida", con nula posibilidad de conseguir subvenciones o créditos privados.

    Pues le diría que se dedicase a otra cosa… Tal y como lo presentas. Si no tienes nada, ¿cómo lo vas a hacer? Depende de qué tipo de recursos. Necesitas un mínimo, una cámara de vídeo, un sistema para procesar eso, unos amigos actores que sean muy buenos y ya está, haces una película.

    De joven yo soñaba con cámaras con las que no tuvieras que pasar por todo el proceso de grabar sonido a parte, procesar la cinta –lo que costaba una fortuna- hacer copias y montar eso.

    Hoy puedes grabar tú mismo sonidos en la calle, utilizar Final Cut. Te puede costar ocho meses hacer una película, pero puedes hacerlo. Antes no lo podías hacer.

    domingo, 1 de abril de 2012

    El papelón de Willy Toledo, el actor metido a matón y piquetero

    Willy Toledo.
    EP

    Rafael Conteras, el peruano de 35 años propietario del bar, lo denuncia por destrozos y amenazas


    El progre por antonomasia, acusado de 'delitos contra los trabajadores'


    Geolocalización de la noticia
    Periodista Digital, 31 de marzo de 2012 a las 20:43
    Tiene su coña que el militante de las 'causas perdidas', el paradigma de la progresía y el defensor del etarra Otegi, del tirano Castro y del gorila Chávez haya terminado pasando la noche en Madrid, en un calabozo policial, acusado de un delito contra los trabajadores, pero así es España.

    El actor Willy Toledo, detenido la madrugado del jueves 29 de marzo de 2012, después de ser denunciado por un humilde emigrante, que compatibiliza su actividad de albañil con la explotación de un modesto bar, le denunciara ante la Policía por amenazas, coaciones y por destrozarle el local, arropado por un piquete de huelguistas.

    UN JUEZ COMPRENSIVO

    Toledo quedó este viernes en libertad, pero tras prestar declaración ante el juez, acusado de un delito contra los trabajadores y daños y atentado contra la autoridad.

    Salió a la calle, a pesar de la Fiscalía pedía prisión provisional alegando la garantía de la "no impunidad" de sus acciones.

    Algunos intelectuales, entre los que podemos citar a Ignacio Escolar, se manifestaron en apoyo del actor y el magistrado titular del Juzgado número 4 de instrucción de Madrid, Marcelino Sexmero, decretó su libertad provisional sin fianza y sin medida cautelar alguna.

    Decretó lo mismo para tres de los seis detenidos, que pasaron a disposición judicial tras los incidentes del bar.

    ACTORES SOLIDARIOS CON LA HAZAÑA

    Toledo no hizo declaraciones a su salida del Juzgado, donde era esperado por Marisa Paredes, Juan Diego Botto, Alberto San Juan y Javier Gutiérrez, entre otros actores. Todos le apluaideron mucho por su 'hazaña' y le dieron abrazos y besos.

    Los otros dos detenidos, que también han quedado en libertad provisional sin fianza, son dos miembros de piquetes informativos del sindicato UGT, también acusados de un supuesto delito contra los trabajadores y atentado a la autoridad.

    EL ATESTADO POLICIAL

    Según el atestado policial, entre quince y veinte personas acudieron a un bar en la calle Salitre, del barrio madrileño de Lavapiés, hacia las 00.30 horas del día 29.

    Rafael Contreras, dueño del bar, explica que Toledo «estuvo dirigiendo a la banda» de entre quince y veinte personas que destrozaron parte del mobiliario y coaccionaron a los clientes.
    "Me proponía cerrar las puertas del local porque empezaba una huelga con la que estaba de acuerdo, pero apareció un piquete e intentaron romper las ventanas. Ingresaron e hicieron destrozos, empezaron a tirar a la gente. Les dije: estoy de acuerdo con esto, pero no con un acto vandálico".
    Rafael, el peruano de 35 años que a base de esfuerzo y mucho sacrificio ha remodelado el bar La Colonia de San Lorenzo, en Lavapiés, detalla que uno de los manifestantes llevaba "un trombón" y otro "un megáfono desde el que daba instrucciones".

    Dice que el asalto "duró entre 15 y 20 minutos".
    "Me pilló por sorpresa porque yo desconocía que ellos venían contra mi local".
    "Golpearon las ventanas para intentar romperlas, cogieron el extintor y rociaron el local".
    El bar está al lado de la plaza de Lavapiés, en la que se reúnen brigadas vecinales y colectivos vinculados al 15-M, hay varias okupas cerca y a pocos metros está la sede de la publicación izquierdista 'Diagonal'.

    UN MACHOTE ARROPADO DE HUELGUISTAS

    En el momento de iniciarse los altercados, alrededor de las 00.30 horas del jueves, Contreras trató de explicar a los sindicalistas que iba a cerrar poco después.

    Sin embargo, sus palabras no convencieron al grupo, que, según él, estaba comandado por Toledo.

    Aunque el dueño no sabía que Toledo es un conocido actor, ha manifestado que varios viandantes sí lo reconocieron.
    «Es obvio que estuvo aquí, aunque yo no lo haya reconocido».
    Según considera el albañil, que reconoce no saber si el actor causó alguno de los desperfectos, el coste de las reparaciones que ha tenido que efectuar en su bar asciende a 1.000 euros.

    UNA LUCIDO HISTORIAL

    Toledo ha protagonizado diversas polémicas por sus declaraciones políticas y fue arrestado en 2010 tras haber prorrumpido en gritos a favor del Sahara junto a otros activistas en el Congreso de los Diputados.

    Toledo (Madrid, 1970) es portavoz de la plataforma Todos con el Sahara.

    El actor ha participado, además, en iniciativas contra la impunidad de los crímenes franquistas y en defensa del juez Baltasar Garzón, así como a favor de los derechos del pueblo palestino.

    Toledo era uno de los seis activistas expulsados el 2 de diciembre de 2010 de la tribuna del Congreso de los Diputados por gritar consignas a favor del pueblo saharaui durante las votaciones del Pleno.

    El Sindicato Profesional de Policía se querelló contra Toledo el pasado mes de noviembre en relación con unas manifestaciones del actor en las que acusaba a la Policía Nacional de «torturar» a los detenidos en comisaría.

    El actor provocó una gran polémica en marzo de 2010 al afirmar que el preso cubano Orlando Zapata, fallecido tras una huelga de hambre de tres meses, «no era más que un delincuente común».

    Tras la polémica abierta por sus declaraciones, el actor se sintió «agredido» por los medios de comunicación e insistió en que había dicho «la verdad» sobre el disidente cubano fallecido.
    Fuente: PERIODISTA DIGITAL

    miércoles, 28 de marzo de 2012

    Paramount Channel emitirá desde este viernes 11 películas al día en abierto

    Televisión 
     
    27/03/2012 17:00 | lainformacion.com
    Paramount Channel será el segundo canal dedicado íntegramete al cine tras el éxito de La Sexta 3. La nueva cadena emitirá en abierto 24 horas al día por la frecuencia que ahora ocupa La 10 gracias a un acuerdo con Vocento, que participa en el accionariado.

    Foto de Viacom apuesta por España como primer país para emitir 'Paramount Channel' al entender que saldrá reforzado de la crisis
    El conglomerado de medios estadounidense Viacom International Media Networks (VIMN) ha optado por España como primer país para emitir 'Paramount Channel' como "una apuesta de futuro y una muestra de confianza", al entender que este país saldrá reforzado de la crisis, según han avanzado el director para el sur de Europa de la compañía, Antonio Campo Dall' Orto, y su presidente y Chief Executive Officer (CEO), Bob Bakish, durante la presentación del canal, que ha tenido lugar este martes en Madrid.
    En una acción sin precedentes, Viacom, la empresa propietaria del mítico estudio de Hollywood Paramount -que celebra este año su centenario- estrenará mundialmente este viernes y solo en España Paramount Channel, su primer canal de televisión dedicado íntegramete al cine. La cadena emitirá en abierto 24 horas al día por la frecuencia que ahora ocupa La 10 gracias a un acuerdo con Vocento, que participa en el accionariado.

    Robert Bakish, presidente de VIMN, ha insistido al presentar la iniciativa esta mañana en que "Paramount Channel es una realidad hoy en España y un mañana, en el resto del mundo", pero no ha concretado ni fechas ni continentes de los próximos lanzamientos del canal.

    "La estrategia de contenido del canal es escribir con letras de oro la historia de Paramount Channel, que nace con la meta de ser un un canal dedicado al entretenimiento de calidad; a la altura de las estrellas de Paramount", ha recalcado Annechino.

    Paramount Channel, que nace con la máxima de "dar buen cine para todos", va a emitir once películas semanales, cuatro estrenos al mes, y 600 títulos al año de todos los géneros de cine en España.

    "Paramount Channel no es sólo un canal de filmes sino que también va a abordar todo lo que hay alrededor de las películas como las (documentales de vidas de las) estrellas de cine y las historias de los rodajes", ha especificado, por su parte, el presidente de VIMN, Robert Bakish.

    En España, "La apuesta de Paramount es tremendamente importante de cara al futuro por la confianza en su mercado", ha señalado el directivo.

    Según los representantes de Paramount Channel, un cincuenta por ciento de los títulos a emitir procederán del catálogo de su estudio, uno de los más emblemáticos del mundo del cine "y el resto, de productoras, por ahora, Warner, TriStar Pictures y Sony, aunque la idea es firmar convenios con todos" los estudios de cine.

    martes, 20 de marzo de 2012

    Entrevista a Nacho Vigalondo. Hoy presenta 'Extraterrestre'

    "Disfruto lo mismo con J.J. Abrams que con Apichatpong"

    Carlos REVIRIEGO | Publicado el 20/03/2012

    Hoy presenta 'Extraterrestre', película protagonizada por Julián Villagrán y Michelle Jener que se estrena este viernes

     

    Nacho Vigalondo y Michelle Jenner en el rodaje de Extraterrestre.
    El viernes estrena su segundo largometraje, Extraterrestre. No es sólo una película, sino una verdadera declaración de intenciones. Desde que compitiera por el Oscar con un sorprendente cortometraje, Nacho Vigalondo siempre dirige su creatividad hacia zonas de desconcierto. Después de alterar los códigos de la ciencia-ficción con Los cronocrímenes, ahora le da la vuelta al subgénero de las invasiones alienígenas...

    Pregunta.- Tratándose de una muy marciana comedia romántica, en Extraterrestre hay más una apuesta por el humor que por la emoción...


    Respuesta.- Hay un momento que empiezo a sospechar que las películas que exponen mucho sus emociones envejecen peor que las otras, porque no resisten un doble o triple visionado. Los sentimientos que están más diluidos creo que funcionan mejor con el tiempo. No quiero decir que lo haya conseguido con Extrarrestre, pero sí es algo que veo conscientemente como un dilema en mi trabajo. ¿Hasta dónde puedo llegar con las emociones de los personajes sin caer en sentimentalismos?

    P.- Antes de su estreno, ha recorrido varios festivales de prestigio, pero Extrarrestre no es una película de festivales, ni tampoco un filme descaradamente comercial... Su condición alienígena es muy manifiesta.


    R.- Sí, es muy difícil encuadrarla. Reconozco que esa es la auténtica aventura que encuentro en esto de hacer cine. Hay películas comerciales muy diseñadas para un objetivo, y películas muy ortodoxas dentro de los márgenes de festivales que se mueven. Existen también películas diseñadas para Cannes. Yo no diseño mis películas en esos términos. A mí me aburriría hacer un cine distinguible de lejos como comerical y distinguible de lejos como cine de autor. Disfruto lo mismo con J. J. Abrams que con Apichatpong Weerasethakul.

    P.- Parece que ha querido hacer un filme en el que el espectador sienta la necesidad de conocer a los personajes, de habitar con ellos, como en Rio Bravo o en El gran Lebowski... La trama es absolutamente secundaria.


    R.- Has hablado de dos películas que cuando terminan provocan algo injusto, y es que quieres que duren media hora más. Me pasa siempre con El largo adiós de Robert Altman. Ha acabado el caso, Philip Marlowe ha resuelto el crimen, pero no me importaría acompañarle de vuelta a casa. El momento mágico de Rio Bravo es cuando deciden cantar una segunda canción sin ningún tipo de pudor. En vez de dispersar las canciones por el relato, Hawks decide ponerlas juntas... Me alegro que la película pueda producir esa sensación. No es algo buscado, aunque de algún modo es natural que surga de esa manera...

    P.- ¿Por qué lo dice?


    R.- Creo que tiene que ver con la estructura del guión. Me gusta mucho que la película tenga un aspecto liviano, porque aunque yo tiendo a hacer estructuras muy cerebrales, en las que todos los detalles y ecos tienen que combinar, al final lo que quiero es que todas estas complejidades no estén en pantalla. Creo que la complejidad no es un valor en sí. Es bueno que esté ahí para quien quiera buscarla. Es algo muy propio de los Coen, cuyas películas, dependiendo del espectador, pueden ser nada o pueden serlo todo. El gran Lebowski puede verse como una mera sucesión de situaciones cómicas, pero la matemática del guión es brutal. Es contradictorio, pero creo que la improvisación sólo es posible si todo está muy planeado previamente.

    P.- ¿Por la estructura del guión se refiere sobre todo a dejar la peripecia de la invasión alienígena en el fuera de campo?


    R.- La peripecia real de Extraterreste, el protagonista natural de la historia, es Raúl Cimas. Quiero decir, su itinerario es el que hubiera filmado una producción de Hollywood. Pero mi película cuenta la historia del tipo con el que la novia del "héroe" le está poniendo los cuernos. No es una trampa de guión, es otro punto de partida. El dilema de la película, de hecho, es el de un personaje protagonista que descubre que es un secundario, o al revés. Julio (Julián Villagrán) quiere apartarse todo el rato, quiere irse de ahí, pero seguimos con él. Y esa idea de guión es la que permite que la película, además de ligera, sea más barata.

    P.- Es también la película de un director que escribe para sus actores...


    R.- Esto es solo posible para el público internacional, pero mi mayor preocupación con los actores eran que nadie pudiera saber a ciencia cierta si proceden del drama o de la comedia. La homogeneidad de tono que buscaba también la quería en los cuatro actores. Todos tienen su oportunidad de ser dramáticos y de ser cómicos. No quería a Michelle Jenner rodeada de tres monstruos de la comedia, como ocurre en la mayoría de las películas de este tipo, ni quería que mientras Areces está fuera, todo fuera aburrido. El único reproche para el camino fácil es el camino aburrido, y no soportaría hacer algo aburrido.

    P.- En el corto Domingo ya filmó un ovni estático en el cielo, pero lo que le interesaba entonces, como ahora, no era lo extraordinario (el ovni), sino lo ordinario (la discusión de una pareja). ¿Diría que Domingo es un germen de Extraterrestre?


    R.- En los avistamientos de ovnis hay algo poético y melancólico: la soledad que inspiran unos seres que han venido de la lejanía para que podamos contemplarlo. Esa melancolía me parece irresistible. A partir de ahí me interesa cómo plantear un hecho cinematográfico como es una invasión extraterrestre y, sólo alterando alguna variable, obtienes un marco compeltamente diferente. Eso estaba ya en Domingo, es cierto. Hay un momento en el que inevitablemente empiezas repetirte. Una vez que un director define un territorio, creo que tiene todo el derecho a navegar en él. Por ejemplo, Woody Allen está sometido a esa presión todos los años. Dentro de 500 años, cuando alguien se haga con toda la filmografía de Woody, celebrará que haya hecho tantas películas podrá verlas en el orden que quiera y sin tener que compararlas. Yo no condeno al autor que se repite, y espero poder tener el privilegio de repetirme algún día. De momento, recurro a unos iconos y una imaginería común.

    P.- Pero para usted esa imagenería de películas de extraterrestres es apenas una puerta a otra cosas.


    R.- En todas las historias de extraterrestres se produce una proximidad física con los aliens que las hace atractivas. Incluso en una película como Señales, que juega con la desinformación y las distancias, los extraterrestres acaban llamando a la puerta. ¿Qué pasa si el ovni aparece en Callao y tú estás en Luchana? Posiblemente pase lo que ha pasado con nuestra generación, que hemos contemplado todo de lejos, y antes de que caiga la segunda torre ya hacíamos chistes con la primera. Es divertido cuando alteras una variable del género y todo adquiere un óptica nueva. Hay pocas cosas más divertidas que coger un género reconocible por cualquier espectador, desde el más sofisticado al más casual, y de repente plantear un giro. Hay un momento en el guión en el que dices, me estoy alejando del género, pero por otro lado el guión también te acaba llevando al género. En todas las películas de extaterrestres hay un ataque desde el cielo, y mi ataque desde el cielo es el vecino disparando pelotas de tenis.

    P.- Hay un personaje muy especial en el filme, intepretado por Miguel Noguera, que es el que aporta el "espectáculo" a la película...


    R.- Yo necesitaba por guión una llamada al exterior, un tío en pantalla que sirviese de recurso para que sucediesen cosas. Pero cuando decidimos que Noguera haría el papel, dejó de ser una voz parlante para empezar a ser una versión empaquetada de todos los personajes. No sólo lo tengo por su consistencia en pantalla, sino que a un nivel casi espiritual, me gusta lo que representa él por sí mismo, y es casi un manifiesto que esté en mi película.

    P.- ¿A qué se refiere?


    R.- Miguel Noguera es alguien cuya filosofía o cuyo método es tan consistente como el resultado. Su espectáculo está apoyado en una base teórica tan sólida que esa base podría ser el propio espectáculo en un momento dado. Es una de las pocas personas que han sido capaces de inventar algo nuevo. El formato con el que canaliza su humor no son chistes, no son gags, no es un relato, no es un monólogo... es un formato nuevo y eso es algo muy difícil de concebir. No quiero que pasen dos décadas para que la gente empiece a aplaudir a Noguera. Quiero que se le aplauda ahora.

    P.- Como también querría que se aplaudiera ahora a Extraterrestre, y no dentro de unos años. Yo creo que el corto 7:35 mañana se entiende mejor ahora que cuando lo hizo, y lo mismo ocurrirá con Los cronocrímenes...


    R.- Ahora es muy fácil aplaudir a los Monthy Pyton, son increíbles. Lo que me interesa es conocer a la gente que lo dijo en su momento. Un fenómeno que veo que se repite una y otra vez son los críticos que defienden las comedias del pasado y no defienden las de ahora, como si el humor se hubiera empobrecido. No es así. Casi nunca una comedia gana premos de cine, o es votada como la película del año, porque el humor parece algo de segunda categoría, y porque necesita un tiempo para ser apreciado debidamente. Eso forma parte del encanto de la comedia. Nadie diría que Supersalidos es alta comedia, pero lo es.

    P.- El cine sin embargo siempre está expuesto al juicio del presente...


    R.- La urgencia por ver cosas es algo de ahora. Las películas y las series no caducan, al menos las buenas. Hay una dimensión de este trabajo que es la inmediatez. Nos educan y nos insisten con que tu película tiene la vida de un fin de semana en taquilla, pero las películas duran para siempre. Creo que es inevitable tener en mente al público de ahora, pero otra parte de ti sabe que estás haciendo algo que en el mejor de los casos estará ahí siempre. Tengo un corto titulado Cambiar el mundo, con Carlos Areces, en el que juego con la posibilidades del multiverso. Es una idea que puede crecer y me gustaría desarrollar más adelante como una serie. Para evitarme acusaciones de plagio, con el corto puedo demostrar que la idea la tuve antes de Fringe.

    P.- Usted fue muy activo contra la Ley Sinde...


    R.- La polarización entre autores y público ha sido algo que ha utilizado la industria para dignificar una postura, porque siempre suena mejor decir que hay que luchar por los derechos de los autores, cuando por lo que se lucha es por el beneficio de los productores y distribuidores. Lo que han conseguido es desprestigiar la figura del autor, como si estuviéramos al otro lado del pasillo apuntando a los internautas que se descargan películas. Y no es así. Yo estoy tan en contra de la Ley Sinde que estoy totalmente en contra de las páginas web que han causado la creación de la Ley Sinde. Se puede condenar la violencia que ha generado el proceso de la Ley Sinde sin dejar de condenar las páginas que cuelgan un link a tu película al lado de un anuncio de "Alarga tu pene".

    P.- ¿Cómo contempla la futura Ley de Mecenazgo?


    R.- Creo que las leyes tienen posibilidades de llegar a buen puerto cuando se legislan a partir de un precedente, cuando ya existe una actividad que deba regularse. Que se cree una Ley de Mecenazgo no va a significar que las empresas de repente se pongan a financiar cine español, porque no ha ocurrido nunca antes y lo presumible es que siga sin ocurrir. En todo caso, no soy catastrofista al respecto. 

    Fuente: EL CULTURAL.es 

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